musicómanos e inspirados

Die Fledermaus

2010-03-07T16:31:00.000Z

DIE FLEDERMAUS | O MORCEGO
JOHANN STRAUSS (1825-1899)

FICHA TÉCNICA

Opereta em três actos.
Libreto de Carl Haffner e Richard Genée segundo La Réveillon (1872) de Henri Meilhac e Ludovic Halévy.
Estreada em 1874 em Viena (Theater an der Wien), Áustria.
Estreada em 1981 em Lisboa (TNSC), Portugal.

Direcção Musical Julia Jones
Encenação Katharina Thalbach
Cenografia Momme Röhrbein
Figurinos Angelika Rieck
Coreografia Danny Costello
Desenho de Luz Pedro Martins

Autoria de textos de Frosch João Quadros

Orquestra Sinfónica Portuguesa
Coro do Teatro Nacional de São Carlos

Nova produção
TNSC

INTÉRPRETES

Rosalinde Edith Lienbacher
Gabriel von Eisenstein Will Hartmann
Adele Carla Caramujo
Dr. Falke Bernd Weikl
Frank Luís Rodrigues
Orlofsky Kristina Wahlin
Alfred Mário Alves
Dr. Blind Carlos Guilherme
Frosch Maria Rueff
Ida Nadine Schori
Ivan Gonçalo Ferreira de Almeida

SINOPSE

A obra de Johann Strauss (filho) está intimamente ligada à evolução da Valsa vienense na segunda metade do século XIX. Integrado numa família de músicos, todos ligados a este género de música de dança, Johann Strauss terá sido aquele que mais se destacou, ao refinar formalmente o género, popularizando-o tanto nos salões de dança como nas salas de concertos. O enorme sucesso das suas obras coloca-o mesmo como um dos mais bem sucedidos compositores de todos os tempos. A sua habilidade para a escrita melódica e a subtileza da orquestração levarão à estilização e elevação de um género inicialmente conotado com o meio rural e popular, tendo compositores da chamada música erudita, seus contemporâneos, como Wagner, Brahms ou Richard Strauss, elogiado entusiasticamente o seu domínio nesta arte.
A partir de 1870, com o desenvolvimento e popularização da Opereta e com as primeiras encomendas dos teatros vienenses, Strauss desviaria a sua criatividade para este outro género sem deixar, no entanto, de usar, nessas produções, a Valsa como mote central. Composta num período de trabalho de apenas seis semanas e estreada em 1874, Die Fledermaus tornar-se-ia uma das operetas mais encenadas de toda a história do género. Ao adaptar a história original, uma comédia ligeira cheia de malentendidos amorosos e jogos de engano, de uma festa de réveillon para um baile vienense, os libretistas garantiram não só uma maior identificação do público austríaco como o máximo aproveitamento da arte do compositor. A Valsa, música de dança vienense por excelência, enquanto género e forma, atravessa, assim, subtilmente, toda a opereta, tendo muitos dos seus números ganho mesmo posterior autonomia nos salões de baile oitocentistas e nas salas de concerto já no século XX. Texto: Tiago Cutileiro e Marta Navarro

Summertime George Gershwin (nascido Jacob Gershowitz)

2010-02-21T21:11:00.000Z

Summertime: Ella Fitzgerald & Louis Armstrong interpretam George Gershwin (nascido Jacob Gershowitz)

Para ler mais sobre Gershwin (Clicar aqui)

FRANZ PETER SCHUBERT

2010-02-13T14:14:00.005Z

Aqui está o meu trabalho sobre Schubert:
(Peço desculpa pelos eventuais erros que possa ter :S )

FRANZ PETER SCHUBERT

F. P. Schubert Nasceu a 31 de Janeiro de 1797 em Himmelpfortgrund, um pequeno subúrbio em Viena, onde morreu 31 anos mais tarde. Franz Schubert fora um dos mais distintos compositores que marcara a passagem do classicismo para o romantismo.

Ao longo da sua vida não teve grande reconhecimento do seu talento perante o público e teve inúmeras dificuldades em assegurar um emprego permanente, vivendo a última fase da sua vida à custa dos amigos e do trabalho que o seu pai lhe arranjava.
Filho de Franz Theodor Florian Schubert e de Elisabeth Vietz, Franz Schubert foi um dos cinco filhos afortunados entre Ignaz, Ferdinand, Karl,e Theresa, dos catorze, que não faleceram na infância. Aos cinco anos iniciou a sua instrução regular com o seu pai. Aos seis, como era habitual, entrou para o colégio de Lichtenthal. Ao mesmo tempo iniciava a sua educação musical. O pai leccionava-lhe violino e Ignaz, seu irmão, pianoforte. Aos sete anos já tinha ultrapassado os seus mestres. Foi então estudar com Kapellmeister Michael Holzer, tendo aprendido mais com um colega seu, que o levava a um armazém de pianofortes, onde tocava, do que com ele. A primeira fase da sua aprendizagem fora insatisfatória.
A 30 de Setembro de 1808, o pai de Schubert, F. T. F. Schubert, levou o seu filho a um concurso de coristas da capela imperial, onde António Salieri, compositor oficial da corte iria seleccionar novos cantores talentosos. Schubert entrou, devido à sua doce voz de tessitura “soprano“. Ganhou ainda uma bolsa de estudo em Stadtkonvikt, um dos melhores colégios de Viena. Permaneceu nesse mesmo colégio até aproximadamente aos seus 17 anos. Foi nesse colégio, que conheceu Spaun, Stadler e Holzapfel, amigos, que o ajudavam monetariamente comprando-lhe, por exemplo, papel pautado, que ele próprio não podia pagar. Davam-lhe ainda apoio moral reconhecendo nele os seus talentos musicais. É ainda neste colégio, que Schubert entra em contacto com as sinfonias de Mozart e ganha interesse pela música de câmara. Desse interesse, surgiu um quarteto composto pelos dois irmãos, que tocavam violino, o pai, que tocava violoncelo e o próprio Schubert a tocar viola. Apresentavam concertos regulares aos domingos e feriados. No seu tempo em Stadtkonvikt, escrevera: música de câmara, Lieder, peças para pianoforte, um kyrie, um salve Regina, a sua primeira sinfonia e ainda um octeto para sopros em honra da morte da sua mãe, que morrera em 1812.
Em 1813, deixou o conservatório e para evitar serviço militar obrigatório, começou a leccionar no colégio do seu pai, como professor primário. Entretanto, o pai de Schubert, volta a casar-se com Anna Kleyenboeck. Durante dois anos, Schubert suporta o trabalho proporcionado pelo pai, apesar do mesmo não lhe agradar. Enquanto ensinava tinha ainda aulas particulares com Salieri, que o acusava de plagiar Haydn e Mozart. Em 1814, F. Schubert entra num namoro com Teresa, uma cantora, da família Grob. A sua relação acaba por terminar dois anos depois (1816), devido à incapacidade, de Schubert manter um emprego permanente. Em 1814, Schubert compõe: a sua primeira ópera completa Des Teufels Lustschloss, uma Missa em fá maior, três Quartetos de cordas e 17 Lieder, entre os quais se encontram “Der Taucher” e “Gretchen am Spinnrad” (lamento de Margarida), da obra de Goethe, Faust.
O ano, em que Schubert escreveu mais obras, foi em 1815. Compôs a sua segunda sinfonia em si bemol, a sua terceira sinfonia em dó maior e ainda duas missas em sol e si bemol. Entretanto, escreve ainda cinco óperas: “Der vierjährige Posten”, “Fernando” e “Claudine von Villabella” completas e “Adrast” e „Die Freude von Salamanka“, que ficaram incompletas. No Inverno deste mesmo ano (1814/1815) conhece o poeta Johann Mayrhoffer e, como era habitual nas suas relações, levou a uma amizade sólida.

Assim como 1815 foi o período mais prolífico da vida de Schubert, em termos quantitativos, 1816 foi a época de viragem no que diz respeito à sua vida. Spaun, amigo de Schubert, descobre que este está a compor entre uma série de trabalhos escolares, „O Rei dos Álamos“, também traduzido por „O Rei dos Elfos” ou „Erlkönig“ de um poema de Goethe. Von Schober, estudante de direito que ouviu canções de Schubert serem interpretadas em casa de Spaun, convidou Schubert a ir para sua casa onde poderia compor em paz, sem se preocupar com actividades escolares. Schubert, com o consentimento do pai, mudou-se então para casa de Von Schober na Primavera de 1816. Por algum tempo, Schubert, ainda tentou contribuir com alguns rendimentos para sustentar a sua família, dando aulas de música, mas rapidamente as abandonou, dedicando-se inteiramente à composição. "Escrevo todo o dia", disse um dia a alguém que o visitava, "e quando acabo uma peça, começo outra". Em 1816 escrevera, entrae outras obras, três cantatas cerimoniais, duas novas sinfonias, a quarta em dó menor (a “Trágica”) e a quinta, em si bemol. Escreveu ainda mais de 100 Lieder (canções) a partir de textos, baladas, dramas e poemas de Johann Wolfgang com Goethe e Friedrich von Schiller. Escreveu ainda uma ópera “Die Bürgschaft” sobre uma balada de Schiller. O poeta Mayrhofer, amigo que Schubert conhecera no inverno de 1814/1815, apresenta-o a Vogl, um barítono famoso da época, que lhe presta um grande favor ao interpretar os seus Lieder nos salões de Viena. Ainda Gahy, um pianista de renome, tocava as suas sonatas e fantasias e os Sonnleithners, uma rica família da burguesia, organizava, em sua honra, reuniões musicais a que, rapidamente, se deu o nome de „Schubertíadas“. Assim Schubert, com a ajuda dos seus amigos, conseguia pagar a alimentação e o alojamento sem grande dificuldade. Nesta altura, Schubert era o „líder das tertúlias e festas“. Era conhecido como „kann er was?“ (alcunha: “Ele é capaz?”).

Em 1818 deu-se a primeira apresentação pública de uma obra de Schubert. Uma abertura ao estilo italiano tocada com num concerto numa prisão, a 1 de Março (1818). Foi também o início da sua única nomeação oficial, como Mestre de Música da família do Conde Johann Esterhazy em Zelesz. Em 1818 encontramos obras como a Sinfonia em Dó maior, algumas peças para pianoforte a quatro mãos e alguns Lieder como por exemplo „Einsamkeit“ („solidão“) ou „Marienbild“. Ao regressar a Viena, descobre que Von Schober já não lhe pode fornecer alojamento. Schubert passa então a viver com Mayrhofer. Aí, os seus hábitos não mudam muito: todas as manhãs começa a compor assim que sai da cama, escreve até às duas da tarde, altura em que come algo. Sai de passeio e volta de novo para compor ou, no caso de não estar disposto a isso, visita os amigos. A 28 de Fevereiro de 1819 apresenta-se, pela primeira vez, como escritor de Lieder, ao público, quando o seu Lied „Schäfers Klagelied“ é interpretado num concerto numa prisão. No Verão de 1819, Schubert vai com Vogl até Steyr, onde escreve o quinteto para piano em lá („la Truta“) (muito famoso). Escreve ainda três das suas canções a Goethe, que ao que se sabe, não lhe respondeu. Em 1820 escreve a sua oratória inacabada "Lazarus", mais tarde, seguiram-se, entre outras obras de menor dimensão, o Salmo 23 ("O Senhor é meu Pastor"), o Gesang der Geister , o Quarteto para cordas nº 12 em Dó menor e a grande "Fantasia Wanderer" para piano. Mas o mais interessante, em termos biográficos, foi o facto de, neste ano, duas das óperas de Schubert terem sido estreadas no teatro Karthnerthor: Die Zwillingsbrüder "Os irmãos gémeos" a 14 de Junho, e Die Zauberharfe ("A Harpa Mágica" ou "A Harpa Encantada") a 19 de Agosto. Quando o seu amigo Vogl canta o seu Erlkönig num concerto, no teatro Kärnthnerthor a 8 de Fevereiro de 1821, é que Anton Diabelli aceitou, com algumas hesitações, publicar algumas das suas obras sob comissão. As primeiras sete obras com número de opus (todas elas Lieder) foram publicadas nestes termos. Em 1821 a obra „Alfonso und Estrella“ é recusada e o mesmo acontece com “Fierabras“. Estas obras eram de interpretação incrivelmente dificil. ("Fierabras", por exemplo, é constituído por mais de 1000 páginas de partitura manuscrita). „Die Verschworenen“ ("Os conspiradores"), foi proibida pela censura e "Rosamunde" ("Rosamunda, princesa do Chipre), ficou incompleta, depois de duas noites de trabalho, devido à insignificância do libreto. Em 1822 é apresentado a Weber e a Beethoven, mas isso terá pouca influência na sua vida. De todos, estes são os anos mais negros da sua vida. Neste ano completou ainda a Missa em Lá bemol e começou a "Sinfonia inacabada" ou "Sinfonia incompleta" (Sinfonia nº 8 em Si menor).

Em 1824 escreve o Octeto em Fá maior, que segundo musicólogos era o esboço de uma grande sinfonia. Escreve ainda o „Divertimento à húngare“ e o quarteto para cordas em Lá menor. Muitos biógrafos referem, neste passo, a discutida paixão de Schubert pela Condessa Caroline Esterhazy, sua aluna. Esta paixão era no entanto impossível de se concretizar devido a condição social de Schubert. Escreveu ainda algumas variações sobre o tema Trockne Blumen ("Flores secas") destes Lieder. A sonata „Arpeggione“ para piano e Arpeggione foi uma interessante tentativa de valorizar um instrumento musical pesado e, hoje, obsoleto. Esta peça tem sido, entretanto, adaptada a outros instrumentos, sendo usualmente tocada com piano e violoncelo ou piano e viola.

"Sinto-me o homem mais infeliz e desventurado deste mundo. (...) Creio que nunca voltarei a estar bem, e tudo o que faço para tentar melhorar minha situação, na realidade, a torna pior". (Escritos endereçados a um amigo, em 1824.) Em 1825 Schubert consegue estabilizar a sua situação financeira e volta a viajar à Alta Áustria onde escreveu as “Canções de Sir Walter Scott". É neste ciclo que se insere a famosa "Ave Maria". Os Lieder Die schöne Müllerin ("A Bela Moleira") e muitas outras das suas melhores canções foram escritas em também em 1825. De 1826 a 1828, Schubert residiu sempre em Viena, se exceptuarmos uma breve visita a Graz, em 1827. No inverno de 1825-1826, escreveu o quarteto de cordas em Ré menor, com as variações sobre o tema A Morte e a Donzela e mais tarde, nesse mesmo ano, escreveu o "Quarteto de cordas em Sol maior", "Rondeau brilhante" para piano e violino e a Sonata para Piano em Sol, que foi impressa sem o título "Fantasia" que Schubert lhe havia dado. A estas obras há a acrescentar as três canções baseadas em poemas de Shakespeare, das quais "Hark! Hark! the Lark" e "Who is Sylvia?" foram escritas no mesmo dia. Em 1827, escreveu a "Viagem de Inverno" „Winterreise“ , a fantasia para piano e violino em Dó e os dois trios para piano (Si bemol e Mi bemol). Em 1828 a Sinfonia em Dó maior, "a Grande", a Missa em Mi bemol, o belo Tantum Ergo e as últimas três Sonatas para piano e o conjunto de canções publicadas postuamente com o lírico título de Schwanengesang ("O Canto do Cisne“). Seis destas canções têm letra deHeinrich Heine.

Schubert morre a 19 de Novembro de 1828 na casa do seu irmão Ferdinand, em Viena, aos 31 anos de idade, de febre tifóide, mas já desde 1822 que sofria de sífilis. Algumas das suas peças de menor dimensão foram impressas pouco depois da sua morte, mas aquelas que hoje são consideradas mais importantes foram vistas pelos editores como papel desperdiçado. Em 1838, Robert Schumann, numa visita a Viena, encontra o manuscrito poeirento da Sinfonia em Dó maior, (a "Grande", D.944) e levou-a consigo para Leipzig.

“Muitos concordam com a frase de Franz Liszt, que se refere a Schubert como "le musicien le plus poète qui fut jamais." - "O mais poeta dos músicos de sempre". Escreveu a sua música sempre de forma precipitada e raramente mudava algo que já estava escrito. Daí que a característica fundamental da sua obra seja um certo sabor a improviso: é por isso que adjectivações como fresco, vivo, espontâneo, impaciente, moderado, rico em matizes sonoras, caloroso, sentimental e imaginativo são frequentemente utilizadas. É por muitos considerado o maior autor de canções que alguma vez existiu. O Lied alemão não seria, de forma alguma, o mesmo sem Schubert. Em geral, as suas obras são marcadas pelo paradigma da canção. Até nas suas missas parece que se irrita com as secções contrapontísticas, empregando toda a sua alma nas partes que lhe permitem um tratamento mais lírico. Poder-se-ia dizer que era como um cantor (que foi, efectivamente) que transportou para todo um vasto campo musical a forma artística que mais amou.” (Wikipédia).

Lied: Palavra alemã (género neutro; pl. Lieder) que em português equivale a “canção”. Nos países germanófonos, o termo é frequentemente empregue para designar uma qualquer melodia vocal, eventualmente acompanhada por um ou mais instrumentos, baseada num dado poema.

Em geral o Lied (na Alemanha, esta forma musical é chamada de Kunstlied) assume um papel fundamental no séc. XIX. Os compositores da época romântica viram na canção popular o elemento primitivo e original, característico e nacional. Transmitidas pela tradição oral, os Lider populares foram cantados especialmente pelas camadas mais simples do povo. Estas serviram de grande inspiração para compositores como Schumann e Schubert. Como Lied propriamente dito entendia-se a canção estrófica simples. Os Lieder cantavam-se em casa, com acompanhamento de piano ou guitarra, entre amigos e conhecidos, e raramente em salas de concerto. Isto explica o seu carácter intimista. Também existia um grande interesse pelos textos e os poetas, com a intenção de alcançar uma melhor compreensão do Lied. Havia então Lieder de todos os géneros: segundo a sua forma e conteúdo: arieta, cavatina, cana e ária, cantata para solista, hino, ode, canção em estilo popular. Segundo o número de intervenientes: canções para solistas, duetos, tercetos e quartetos assim como canções para coro. Os Lieder de Schubert podem ser agrupados em três categorias:

1- Lied estrófico simples (melodia e o acompanhamento não diferem de estrofe para estrofe, exemplos: “Heidenröslein” (1815) ou “Das Wandern” (1823))

2-Lied estrófico variado (melodia e acompanhamento mudam em determinadas estrofes, exemplo: exposição (duas estrofes idênticas), enano (terceira estrofe desenvolvida), retorno (como no inicio) exemplo: Forelle).

3-O Lied desenvolvido (melodia e acompanhamento em função do texto são sempre novos, exemplo: “Rastlose Liebe” (1815) ou “Der Doppelgänger”).

Seria demasiado exaustivo enumerar todos os que cultivaram o género, cabendo aqui destacar essencialmente o nome de Franz Schubert, um jovem romântico vienense que elevou o Lied à sua mais sublime expressão, tendo composto no decurso da sua breve vida muito mais de seis centenas de peças deste género—um legado que acabou por constituir uma referência incontornável para muitos dos compositores posteriores. Explorou os universos afectivos e espirituais de obras poéticas tão diversas como as de Johann Gottfried von Herder (6), Johann Wolfgang von Goethe (86), Friedrich von Schiller (46), Heinrich Heine (6) ou Wilhelm Müller—poeta que lhe inspiraria dois dos três ciclos de Lieder por ele compostos, nomeadamente Die schöne Müllerin e Winterreise. Nos seus celebrados Lieder, buscaria sempre o melhor balanço entre a palavra e a música, entre o intimismo da lírica e a subtileza das melodias, entre as oscilações da tensão dramática e os desenvolvimentos temáticos.

I Got Rhythm

2010-01-27T19:50:00.001Z

Tinha que publicar isto!

divirtam-se um bocado:

os seis órgãos de mafra

2010-01-21T17:02:00.000Z

ocasião faz o ladrão... trouble in tahiti

2010-01-17T17:03:00.000Z

Direcção Musical Moritz Gnann
Encenação André Heller-Lopes
Cenografia Rita Álvares Pereira, André Heller-Lopes
Coreografia Verena Hierholzer
Vídeo André Godinho
Figurinos Rita Álvares Pereira
Desenho de Luz Pedro Martins
TNSC
PROGRAMA JOVENS INTÉRPRETES

L'OCCASIONE FA IL LADRO
GIOACHINO ROSSINI (1792-1868)

Ópera (Burletta per Musica) em um acto
Libreto de Luigi Prividali baseado na peça Le prétendu par hazard, ou L’occasion fait le larron, de Eugène Scribe.
Estreada no Teatro San Moisè, Veneza, a 24 Novembro de 1812.

Don Parmenione João Merino
Martino João Oliveira
Conte Alberto João Cipriano
Don Eusebio Marco Alves dos Santos
Berenice Raquel Alão
Ernestina Ana Franco

Produzida em 1812, no início da carreira de Rossini, L'Occasione Fa il Ladro, Ossia il Cambio della Valigia, é uma Farsa em um acto – sub-género cómico em voga nos pequenos teatros de Veneza durante o século XVIII e princípio do século XIX – um meio ideal para as primeiras incursões operáticas dos jovens compositores por ser um modelo menos arriscado do que a exigente ópera séria. A estreia de Rossini no género operático tinha já ocorrido dois anos antes, precisamente com uma Farsa, no mesmo teatro que receberia L'Occasione Fa il Ladro, o San Moisè de Veneza. Nestas obras está patente a tradição lírica italiana assim como o núcleo do que viria a ser o estilo rossiniano. O libreto baseia-se numa comédia em vaudeville de 1810, do então jovem dramaturgo Eugène Scribe. A surpreendente contemporaneidade entre o texto e a produção operática demonstra bem a influência dos géneros dramáticos franceses em Itália. Texto, Tiago Cutileiro e Marta Navarro

TROUBLE IN TAHITI
LEONARD BERNSTEIN (1920-1989)

Ópera em um acto.
Libreto de Leonard Bernstein.
Estreada a 12 Junho de 1952 na Brandeis University em Waltham, Massachusetts.
Nova Produção

Dinah Luisa Francesconi
Sam João Merino
Trio João Oliveira | Marco Alves dos Santos | Ana Franco

Trouble in Tahiti é uma das primeiras obras cénicas de Leonard Bernstein e a primeira denominada de ópera. Trata-se de um doloroso retrato da classe média suburbana norte-americana dos anos 50. Sem uma história propriamente dita, são expostos quadros de uma vida conjugal marcada pela decadência dos afectos e a impossibilidade da sua recuperação. Nesta obra, o compositor procurou um novo modelo operático destituído de recitativos e construído sobre o inglês vernáculo. Em 1984, Bernstein incorporaria o único acto de Trouble in Tahiti na sua ópera A Quiet Place.
Com uma versatilidade invulgar que o levou da interpretação pianística à direcção de orquestra, da composição à divulgação musical, Bernstein soube tirar pleno partido das novas tecnologias, em prol da difusão e popularização da chamada música erudita, tendo sido, indiscutivelmente, um dos músicos mais mediáticos da história da música ocidental. Texto, Tiago Cutileiro e Marta Navarro

—Bernstein&Rossini@TeatroNacionaldeSãoCarlos@17Janeiro2010

Quadros de uma Exposição

2010-01-16T20:39:00.000Z

Concertos da Casa da Música

2010-01-16T15:29:00.002Z

Vale a pena consultar este site, que está muito bem feito, apresentando os concertos e as notas de programa respectivas e permitindo-nos aceder a parte do que se vai fazendo pelo Norte...

http://www.casadamusica.tv/

2010-01-11T01:43:00.003Z

Éroica, filme da BBC

2010-01-11T01:43:00.002Z

2010-01-11T01:42:00.003Z

2010-01-11T01:42:00.001Z

2010-01-11T01:41:00.001Z

2010-01-11T01:40:00.003Z

2010-01-11T01:40:00.001Z

2010-01-11T01:39:00.002Z

2010-01-11T01:39:00.001Z

Em homenagem...

2009-12-10T19:16:00.001Z

Sobre a Joana Carneiro

2009-12-10T19:06:00.002Z

Joana muito à frente

03.12.2009 - Pedro Boléo@Público

Dirigir é apenas uma pequena parte do trabalho de Joana Carneiro à frente da Sinfónica de Berkeley: “Aqui posso apresentar novos compositores, novos instrumentos, novos solistas. Posso imaginar sem fronteiras”

"Joana Carneiro gravou o seu primeiro disco, em que faz dançar a Orquestra Gulbenkian. Entretanto, anda a fazer das suas à frente da Sinfónica de Berkeley, cidade onde esperam dela o impossível. O truque é que para esta maestrina de 33 anos não há impossíveis.

Há uma cidade na Califórnia onde toda a gente quer aprender a pronunciar "Car-nei-ro". A maestrina de 33 anos é a nova estrela de Berkeley. Foi recebida de braços abertos, com um entusiasmo pouco comum. "Tive uma recepção calorosa", diz-nos no início da conversa longa que tivémos na Fundação Gulbenkian. Começou a dirigir a Sinfónica de Berkeley em Janeiro de 2009, depois de ter ganhado o concurso com uma perna às costas. O júri não teve dúvidas: "Ela é a pessoa certa no lugar certo. A interacção com os músicos, o nível a que os levou em quatro ensaios foi notável".

Até ver, só elogios: os músicos da orquestra adoram-na e elogiam-lhe o rigor tanto quanto a sua calorosa presença; Esa-Pekka Salonen, que ela tem como "mentor" desde que foi sua maestrina assistente na superorquestra Filarmónica de Los Angeles, disse "tu tens de concorrer àquela orquestra, é ideal para ti"; o compositor John Adams (que vive em Berkeley) gaba-lhe a combinação de rigor e descontracção e anuncia ao mundo que "a coisa maravilhosa em vê-la ensaiar é que ela faz toda a gente sentir-se à vontade, e domina completamente a partitura"; o concertino, que ela já conhecia de Los Angeles, garante que quase nunca viu nada assim - "empenho e entusiasmo e paixão". "Uau!", exclamam unanimemente músicos e críticos que assistiram aos primeiros concertos dirigidos por ela em Berkeley. "Ela encaixa", "ela é extraordinária", "fantástica", "jovem, enérgica, inteligente, e com bom humor", "a orquestra segue a sua enorme exigência"... e por aí fora. Um violoncelista da orquestra resumiu: "O coração dela é todo música".

Imaginar sem fronteiras

O anterior maestro Kent Nagano deposita toda a confiança nela para continuar o trabalho de uma das orquestras mais à frente dos Estados Unidos da América: "A orquestra já existia antes de eu vir e vai sem dúvida continuar a florescer depois de mim", disse Nagano. "Ele deixou um legado que me inspira", retribui Joana Carneiro. Que legado é esse? Uma dinâmica coexistência de nova música e de grandes clássicos, uma relação íntima com a comunidade artística local e com toda a sociedade. "Uma tradição de inovação", diz-nos a maestrina. "Programar música que está no nosso imaginário desde há séculos mas também aquilo que é o futuro da música", continua.

Joana Carneiro terá agora de ser muito mais do que maestrina: tem a responsabilidade de dirigir artisticamente a orquestra. "É uma faceta que desconhecia: programar, fazer escolhas para um, dois anos, e porventura para dez anos se ainda lá estivermos". Fala com o entusiasmo de quem quer mesmo estar lá daqui a dez anos. Mas a sua missão em Berkeley não é só programar: ela estará "na escolha dos músicos, nas decisões de como a orquestra se relaciona com a comunidade". Sente o peso da responsabilidade de ter uma "visão artística, porque a orquestra é um veículo musical daquela cidade". Todos acreditam que ela tem essa visão, e têm a certeza de que não vai desiludir. Já é muito trabalho? Não, ainda não é tudo. Joana Carneiro também tem de se preocupar com a sobrevivência da orquestra: "Estamos a falar de uma orquestra americana, é preciso pensar no ‘fundraising'". É preciso dar "confiança" aos mecenas locais, mantendo altíssimos padrões de qualidade e rigor e um largo público que se reconheça na orquestra, e sobretudo convencê-los a financiar a estrutura, mesmo em tempos de crise. Joana garante que não é fácil: "Quando a crise começou, o financiamento da orquestra sofreu um abate de dez por cento. Isso tem implicações nos programas, e é preciso distribuir melhor o que há." Aí entra a imaginação, que hoje "é ainda mais necessária do que noutros tempos", diz Joana Carneiro, olhos postos na realidade: "Com aquilo que temos, fazer o melhor que podemos".

Mas ela não quer só a realidade, quer levar os limites da beleza mais longe. Por isso diz que não há limites. "Posso programar o que quiser, apresentar novos compositores, novos instrumentos, novos solistas. Posso imaginar sem fronteiras".

O segredo está nos gestos

A orquestra de Berkeley tem os pés bem assentes na efervescente comunidade local e ganhou com Nagano reputação internacional, a fazer música de Mozart ao século XXI. Agora é a vez de Joana Carneiro, aliás "Kar-nigh-row". Ela já sentiu "uma química" com a orquestra: "Tenho aprendido muito. Já conhecia alguns músicos, houve uma familiaridade e a música unia-nos. Parece que temos os mesmos valores." Que valores são esses? "Procuramos as mesmas coisas musicalmente, há um entendimento na forma como a orquestra ensaia." E há interesses semelhantes: a música contemporânea, o interesse pela criação de agora, como prova o constante trabalho com compositores e artistas residentes realizado pela orquestra desde que Nagano fez dela uma orquestra de primeira. O entendimento com os músicos foi imediato: "Falamos e as coisas são reproduzidas em música", diz ela. Mas o segredo está nos gestos: "É também a linguagem não-verbal. A forma física como a orquestra toca. Ela reage de forma física". Reage aos gestos da maestrina, leia-se.

Aos nove anos Joana Carneiro disse aos pais que queria dirigir orquestras como aqueles senhores fazem com a batuta na mão. E os pais lá lhe ofereceram uma batuta. O que a fascinava era precisamente a ligação do gesto à música. "Parecia magia", diz ela, "a ligação do gesto com o que eu ouvia". Agora, à distância, diz Joana: "Se uma criança de nove anos quer ser maestrina, é porque tem no seu imaginário aquela figura". Isso tem a ver com "duas pessoas fundamentais" diz ela. "Somos nove irmãos e todos estudámos música 12 anos. O que faço hoje tem a ver com essa decisão fundamental dos meus pais de considerar a música tão importante como as outras disciplinas". Devia ser assim para toda a gente? Claro. "Tenho a certeza absoluta que a música devia ser aprendida por todos na escola como o Português e a Matemática. O papel que a música tem no ser humano, na imaginação, no raciocínio, na disciplina, é essencial. Há estudos que mostram que a música ajuda as crianças na Matemática, mas também a ter um comportamento mais positivo."

O sonho dos nove anos cumpriu-se - com "muita sorte". É claro agora para Joana Carneiro que "é um privilégio muito grande ter uma vida profissional que tem a ver com a criação e a recriação do belo. Dar ao nosso mundo afecto e paz é uma obrigação no sentido mais profundo - a transformação da alma do ser humano." Nada mais, nada menos. E ainda, ao mesmo tempo, "servir os compositores e quem nos vem ouvir".

Tudo graças aos pais? Não convém esquecer o talento que ela tem e desenvolveu por si mesma. E uma atitude perante a vida, que é não separar as coisas: "A Joana maestrina não é diferente do que sou. Não sou diferente na música." Mas competem a paixão da música e o amor familiar? Nada disso: "Aprendo muito e aplico muito o que aprendo na música. A música é um pilar fundamental mas a família é o centro. Coexistem com felicidade. Não teria a felicidade que sinto se só tivesse uma." Ou, dito de outra forma, "alimentam-se", como ela gosta de dizer na sua visão orgânica da vida. Deve ser isso a felicidade.

Como fazer a diferença

Na cidade que espera dela invovação, Joana Carneiro vai tentar fazer a diferença, continuando a aprender e aplicando o que aprendeu, sobretudo em Los Angeles, ao lado do seu mentor Esa-Pekka Salonen. O que fazia ali a diferença, diz ela, era "ter um instrumento extraordinário" (a orquestra de Los Angeles), mas também o "empenho diário dos músicos", "a sala em que tocavam", "a preparação do conteúdo", a atitude que uma orquestra tem de ter se quiser "transformar a cena musical, fazer música contemporânea, tocar a mais relevante da criação musical dos últimos 20 anos, estar à frente da inovação musical". É isso que Joana Carneiro quer fazer em Berkeley. O que faz a diferença é também "a existência de projectivos educativos que realmente transformam", e a criação de "um laboratório" musical, seguindo a lição de Salonen. E há ainda uma questão de fundo que faz toda a diferença para quem põe a música e a criação actual em primeiro lugar: "Reflectir sobre o mundo contemporâneo, ajudar a compreender o que é a nossa realidade." Para isso é preciso criar relação com novos compositores, os "Beethovens" de hoje.

O resto é o trabalho minucioso com a música, escolher rigorosamente uma arcada ou uma sequência de arcos num ensaio, decidir "uma respiração" em diálogo com os músicos. "A preparação é 90 por cento do trabalho", subinha. O estudo antes dos ensaios. Chegar a "um ideal de como deverá soar e depois nos ensaios aproximar o desejo do compositor da realidade". Como se equilibram as vozes, qual deve sobressair? Como é aquele acorde? Aquela respiração? É assim que se concretiza o ideal de Joana Carneiro: "Através da beleza ajudar o próximo a compreender melhor o que o rodeia".

E tem vontade de compor? "É uma arte muito difícil. Tenho muita admiração pelos compositores. Tentei mas não era a minha vocação, não tenho talento." Insistimos, incrédulos. A maestrina esquiva-se e dá-nos uma resposta mais prática: "Exige uma entrega e um tempo que não tenho, estou muito ocupada." Para compor não sabemos. Mas que tem talento, tem.

Um disco que dança

No meio de tantas ideias sobre a música, um disco. A primeira gravação de Joana Carneiro, que pode surpreender por se centrar apenas em obras de Tchaikosvky. É quase certo que haverá outras gravações, podemos arriscar, mas para já este disco, com música do compositor russo estreitamente ligada à dança - os bailados "O Quebra-Nozes" (Suite , op.71a) e "O Lago dos Cisnes" (Suite, op 20a) - e a abertura-fantasia de "Romeu e Julieta". Tem tudo a ver com ela: "Fiz ballet durante anos da minha vida, desde criança que ligava dança e música". A música move e comove Joana Carneiro, que gosta da ideia de "contar uma história com gestos de dança".

E também ela dança agora, de uma outra forma, batuta na mão, como se a música alimentasse a dança. Como se tivesse outra vez nove anos. Como se fizesse magia."

Ainda Mais Chris

2009-07-06T01:56:00.002+01:00

Andava eu pela net a descobrir o site das bandas filarmonicas, kd a minha atenção é desviada por um banner onde se lia "Christopher Kopitz - Duplo Prémio Europeu"

Descobri Esta notícia sobre o nosso colega:

Parabéns!

Parabéns, Christopher!

2009-06-16T14:55:00.001+01:00

"O JOVEM MÚSICO PORTUGUÊS CHRISTOPHER MANUEL KOPPITZ, OBOÉ, OBTEVE O 1º PRÉMIO EUROPEU, NA FINAL DO CONCURSO JUGEND MUSIZIERT 2009, NA ALEMANHA.

Jugend Musiziert é o maior concurso musical de jovens músicos da Alemanha, com uma larga história de mais de 40 anos. Este concurso, apoiado pelo Conselho Alemão da Música, e por vários Ministérios, é dos mais prestigiados e de maior êxito.

Na 1ª eliminatória, Christopher Koppitz obteve a pontuação máxima de entre os jovens intérpretes das Escolas Alemãs em Portugal, o que lhe permitiu passar para a 2ª eliminatória. Nesta 2ª fase do concurso, em Espanha, Christopher atingiu novamente a máxima pontuação e foi seleccionado para o concerto de encerramento.

Na final deste concurso, onde participaram os jovens músicos finalistas de todas as Escolas Alemãs Europeias, que decorreu na primeira semana de Junho, na Alemanha, Christopher Koppitz obteve o 1º prémio em oboé. De todos os intérpretes premiados (dos vários instrumentos), Christopher foi destacado no Concerto dos Laureados, com a atribuição do diploma de mérito europeu.

Christopher Koppitz, de 16 anos, é aluno da Escola Alemã de Lisboa e estuda oboé na Escola de Música Nossa Senhora do Cabo, em Linda-a-Velha, na classe do Prof. Francisco Luís Vieira."

Publicado em: http://asminhasnotassoltas.blogs.sapo.pt/35468.html

Haydn, 200 anos

2009-05-31T16:55:00.002+01:00

Haydn, O Shakespeare da música

31.05.2009, Cristina Fernandes in Público

Morreu célebre, mas foi desvalorizado pelos românticos e a sua obra só foi verdadeiramente recuperada depois da Segunda Guerra. Joseph Haydn, o compositor inventivo que atravessou três eras e tinha admiradores como Napoleão, morreu há 200 anos

Da famosa tríade do classicismo vienense formada por Haydn, Mozart e Beethoven, Joseph Haydn (1732-1809) é hoje o compositor que tem uma presença menos forte no imaginário colectivo. Com a excepção de algumas sinfonias - sobretudo as que têm títulos extramusicais como O Relógio, O Urso ou A Surpresa -, um número reduzido de quartetos e da oratória A Criação, a posteridade apenas recebeu uma imagem parcial da sua imensa produção, nem sempre devidamente compreendida.

Considerado uma figura tutelar e identificado de forma simplista como "o pai da sinfonia e do quarteto", Haydn seria também uma vítima indirecta da sua vida relativamente pacata. Não teve uma existência conturbada que alimentasse mitos e mistérios, como no caso de Mozart, nem uma personalidade titânica que inflamasse os espíritos românticos como a de Beethoven. Ao contrário da maior parte dos compositores da geração anterior à sua, Haydn nunca foi esquecido, mas depois da sua morte foi nalguns momentos injustamente subvalorizado. Só depois da Segunda Guerra Mundial a sua música começou ser reabilitada em toda a plenitude.

No entanto, quando morreu a 31 de Maio de 1809, faz hoje 200 anos, era uma celebridade em toda a Europa. Viena vivia a segunda Invasão Francesa, mas Napoleão, seu grande admirador, mandou proteger a casa do compositor e vários dos seus generais e outros militares compareceram ao funeral. Um ano antes, a 27 de Março de 1808, num concerto de homenagem na Universidade de Viena por ocasião do seu 76.º aniversário, onde foi interpretada a oratória A Criação sob a direcção de Salieri, a multidão que o aguardava era tão grande que a polícia teve de intervir para manter a ordem. Na assistência encontravam-se Beethoven e Hummel. Ainda em 1785, um jornal londrino considerava Haydn como "o Shakespeare da música", e quando chegou a Londres pela primeira vez, em 1791, para uma série de concertos promovidos pelo empresário Joahann Peter Salomon, era aguardado com enorme expectativa. A imprensa não falou de outra coisa durante três dias e Haydn chegou a escrever: "Todos me querem conhecer, se quisesse jantava fora todos os dias da semana."

A longa vida de Haydn atravessou três eras. Durante estas décadas a linguagem musical sofreu profundas transformações, o mesmo sucedendo com a estrutura da vida musical e com o estatuto social do músico. Haydn beneficiou do patronato aristocrático da família Esterházy nos moldes do Antigo Regime, sendo um funcionário dedicado e fiel - mas não submisso, como o episódio da Sinfonia do Adeus, em que os músicos vão abandonando as suas estantes um a um como forma de protesto pela permanência prolongada em Esterháza longe das suas famílias -, mas também do êxito como músico independente na esfera pública na última fase da sua vida. Mais do que qualquer outro compositor, teve o melhor dos dois mundos. Como escreveu o historiador da cultura Tim Blanning, "no início da sua carreira Haydn começou a ser conhecido porque era o mestre de capela da família Esterházy; na época da sua morte os Esterházy eram famosos porque o seu mestre de capela tinha sido Haydn".

A sua juventude coincide com o período áureo do barroco tardio e a sua velhice com os alvores do romantismo. Quando Haydn nasceu Bach trabalhava na Missa em Si menor em Leipzig e quando morreu Beethoven já tinha escrito a Quinta e a Sexta Sinfonias.

O príncipe e a música

Nascido na pequena localidade de Rohrau, Áustria, numa família de camponeses, Haydn começou a sua formação como menino de coro, primeiro em Hainburg (para onde foi levado por um primo que exercia as funções de mestre-escola e director do coro) e depois na Catedral de Santo Estêvão, em Viena. A partir de 1761 começou a trabalhar para a ilustre família húngara Esterházy de Galantha, na qual se destaca o príncipe Nicolau, o Magnífico, grande apaixonado pela música. No seu castelo de Esterháza, inaugurado em 1766 e comparado por muitos contemporâneos com Versalhes, edificou um teatro de 500 lugares e uma grande sala de concertos. Durante alguns períodos chegavam a interpretar-se duas óperas e dois concertos por semana, além de música de câmara diariamente.

Haydn não tinha mãos a medir. Pelo menos até 1790 - data da morte de Nicolau, o Magnífico - a obra de Haydn pode ser considerada como o último grande legado do mecenato do Antigo Regime no campo musical. Em termos de quantidade é digna da geração precedente, representada pelos compositores barrocos: mais de 100 sinfonias (recorde-se que Beethoven escreveu apenas nove), mais de 80 quartetos, mais de 20 óperas e cerca de 175 peças de câmara para baryton (instrumento aparentado com a viola da gamba que o príncipe tocava). Haydn teve uma relação próxima com todos os géneros musicais vocais e instrumentais, sacros e profanos (ópera séria e buffa, cantatas, missas, oratórias, Lieder), mas no final da vida abriu caminho também para as grandes obras corais sinfónicas do romantismo com as partituras das oratórias A Criação e As Estações. As ousadias harmónicas da Representação do Caos na introdução à Criação não têm paralelo na música do século XVIII e apenas seriam retomadas pelo romantismo tardio.

Nos relatos da época, Haydn é descrito como uma pessoa modesta e simpática e como um bom católico. Foi um homem que acompanhou o seu tempo mas que não tomou posições radicais. Acabou por conseguir a emancipação do seu antigo estatuto profissional porque o príncipe Anton (que sucedeu a Nicolau) se interessava menos pela música e lhe deu maior liberdade. No entanto, mesmo durante o período anterior, o trabalho no isolamento de Esterháza não impediu que o nome de Haydn corresse o mundo. Boccherini, que trabalhava na corte de Madrid, escreveu-lhe em 1781 a testemunhar a sua admiração e as encomendas chegavam de vários sítios. As famosas Sete Últimas Palavras de Cristo na Cruz resultam da encomenda de um prelado de Cádis, em 1785, e as seis sinfonias parisienses da solicitação da importante sociedade de concertos da Loge Olympique.

A ampla circulação das suas obras, primeiro em manuscritos e em algumas edições piratas, e depois nas edições oficiais da casa Artaria, contribuiu também para sua celebridade europeia. A partir de meados dos anos 80 do século XVIII é o compositor mais editado em França e Inglaterra e em 1784 a revista European Magazine chega mesmo a publicar a sua biografia. Deste modo, o caminho estava aberto para o triunfo nas salas de concertos públicas de Londres quando realiza as suas duas digressões em 1791-92 e em 1794-95.

O humor e os românticos

Os contemporâneos de Haydn parecem ter compreendido, mas o mesmo não sucedeu com a geração romântica seguinte. Schumann tinha um profundo respeito por ele, mas chegou a escrever que "não tinha mais nada a aprender com Haydn", e Wagner comparou a sua produção sinfónica a uma "segunda infância" em relação a um Beethoven que teria já nascido adulto nessa matéria.

A essa avaliação escaparam muitos traços da genialidade do compositor, hoje felizmente reconhecidos. Poderíamos falar de uma mestria de construção sempre inventiva, da sua capacidade de manipulação do material musical ou da forma como incorporou as tradições populares na música erudita, mas há uma qualidade em Haydn que merece especial admiração: a habilidade para criar surpresa e humor na música, este certamente pouco apreciado pelos românticos, mais preocupados com as suas depressões e profundas crises existenciais.

PROVA DE PASSAGEM NO DIA 1 DE JUNHO!!!

2009-05-27T13:03:00.004+01:00

Meus caros alunos,

não foi possível alterar a data da prova de passagem uma vez que as notas têm que ser dadas antes de dia 8 de Junho.

Por isso, temos teste no dia 1 de Junho.

Preciso que TODOS me confirmem URGENTEMENTE que receberam esta informação de alteração! Ou através de email ou de comentário no blogue ou de telemóvel: 966917897 ou 912569340!

Falem por favor entre vocês e que ninguém fique sem saber:

Bernardo

Christopher

Catarina 1

Catarina 2

Teresa

Michael

Madalena

Luís

Jorge

João

Rui

Estão todos informados??

Boa sorte! Em caso de dúvidas, contactem-me!

Bach também sai na Prova!

Beijinhos a todos e BOM ESTUDO!

Rosa Paula

Blue Man Group

2009-04-24T11:03:00.009+01:00

Quarta-feira à noite fui ao Casino de Lisboa ver os Blue Man Group.

Excelente!

Aconselho a todos irem ver o espectáculo! vale mesmo muito a pena!

são quase 2 horas de puro entretenimento e música.

Este espectaculo tem o nome de Mega Star Tour. Basicamente o que acontece em todo o espectaculo é que os 3 homens azuis estão a seguir as instruções de um DVD chamado "How to be a Super Star".

O Espectaculo vai ficar até dia 9 de Maio no Auditório dos Oceanos do Casino de Lisboa.

Deixo-vos alguns clips que consegui encontrar no youtube.

Neste têm uma das partes do espectaculo em que o DVD está a explicar o que devem fazer para ser uma estrela acho k é o "Rock Movement #3"

Por último deixo-vos o inicio do espectáculo, para adoçar a boca

e mais um bocadinho

o som não está grande coisa nestes últimos, mas da para perceber o espírito.

Não se assustem com o preço! vale cada cêntimo!

Voca People

2009-04-24T10:52:00.002+01:00

Para quem pensa que o coro é "uma seca".

Vejam e ouçam bem isto

2009-04-01T10:19:00.002+01:00

A animusic dedica-se exlusivamente à criação de animação computarizada relacionada com música, criando possíveis novos instrumentos (apenas em computador, claro). Eu fiquei apaixonada por este (percebe-se porquê).

Enjoy

salomé

2009-03-31T12:00:00.004+01:00

A todos os que vão assistir à récita da Salomé no Domingo, dia 5 de Abril de 2009, avisa-se que nos encontramos em frente ao São Carlos pelas 15.30h!

nbnnbmnbmnbmnbmnbm

"Rejeitando a versão versificada do libreto germânico, Strauss resolve conceber a ópera Salome directamente a partir do texto teatral em alemão, incidindo o seu trabalho no corte de secções e em pequenos arranjos estruturais, criando quase uma adaptação directa do teatro para a ópera. Esta técnica não será tão diferente de alguns dos trabalhos anteriores do compositor se se estabelecer um paralelo com os seus Poemas Tonais, obras sinfónicas baseadas em textos literários, género tão cultivado por Strauss. O facto da ópera decorrer num único acto transcomposto, sem interrupções, permite aproximá-la ainda mais da produção sinfónica do autor - um Poema Tonal com texto.
Salome foi recebida com reacções contrastantes. Por um lado foi um sucesso, garantindo inúmeras apresentações nos principais teatros de ópera e, simultaneamente, consolidando a reputação do seu compositor; por outro, o tema da ópera, assente na figura mítica de Salomé, causou enorme escândalo. A obra chegou a ser banida em vários teatros, tendo para isso contribuído a abordagem às secções mais ousadas do texto de Wilde: a dança erótica dos sete véus, aludindo à nudez integral, e a cena de amor de Salomé com a cabeça de S. João Baptista, remetendo para a necrofilia, passagens que Strauss fez questão de manter e até enfatizar. Controvérsias à parte, Salome tornou-se um marco na carreira do compositor que abandonaria o modelo de Poemas Tonais, uma constante na sua obra até então, para abraçar definitivamente o género operático. Na sua harmonia cromática, melodia prosódica e complexidade orquestral, Strauss afirmava-se como um dos principais compositores germânicos, do início do século XX, numa linha de continuidade com a tradição operática wagneriana."

Texto Tiago Cutileiro, Marta Nunes

2009-03-30T22:02:00.002+01:00

Vejam e ouçam bem isto. Espectacular.

a rainha de sabá na oratória "salomão"

2009-03-15T19:09:00.005Z

"The Arrival of the Queen of Sheba", que o Christopher publicou aqui em baixo, é uma marcha que se insere na oratória de George Frideric Handel intitulada Solomon e é baseada na narrativa bíblica do sábio Rei Salomão. O libreto tem sido atribuido a Newburgh Hamilton.

Os episódios retrados por Handel nesta oratória remetem para a disputa resolvida pelo Rei Salomão entre duas mulheres que disputam a maternidade de uma criança; e o famoso encontro com a Rainha de Sabá que lhe oferece inúmeras riquezas e o reconhecimento da sua sabedoria.

Astuto empresário, Handel aproveita a ocasião para homenagear o seu patrono sublinhando as semelhanças entre Salomão e o Rei George II. "Piedade", "Sabedoria", "Esplendor" são qualidades figuradas nos vários actos de forma a elogiar o Rei britânico!

A obra foi composta entre 5 de Maio e 13 de Junho de 1748, mas a estreia teria apenas lugar em Março do ano seguinte!

Deixo-vos o libreto e a ligação para a partitura para que possam desfrutar, em grande, desta obra que os colegas do 2º ano em breve irão estudar!

adsas (Raffaelo, A Rainha do Sabá, séc. XVI)

Albrecht Mayer: The Arrival of the Queen of Sheeba

2009-03-14T12:41:00.004Z

Albrecht Mayer:

1º Oboé da Berliner Philarmónica.

sobre música

2009-03-13T12:58:00.001Z

— Alfred Gockel, Stroking The Keys (n. 1952)

Marin Marais

2009-03-05T21:14:00.003Z

Nome: Marin Marais

Data e local de Nascimento: 25 de Maio de 1656, em Paris
Data e local de Morte: 15 de Agosto de 1728
Quem era: violista / gambista e compositor francês do período barroco
- Em 1667, torna-se cantor no coro da Saint-Germain-l'Auxerrois
- Aos dezasseis anos, deixa voluntariamente Saint-Germain-l'Auxerrois e tenta aperfeiçoar-se junto de Sainte-Colombe na viola baixo
- Marais entra, em seguida, na orquestra da Academia Real de Música, dirigida por Jean-Baptiste Lully
- Obtém em 1679 o cargo de tocador de viola da câmara do Rei Luís XIV. Acumulará esse cargo com a carreira de músico da Ópera, durante quarenta anos.
Principais obras:
- Peças para viola de gamba
Peças para uma e para duas violas (1686)
Peças para uma e duas violas com aumento de muitas peças particulares em partição (1689)
Peças para uma e para três violas, Quarto livro (1717)
- Peças para trio (Marin Marrais foi um dos primeiros, em França, a escrever peças para trio)
Peças para trio para flautas, violinos e viola (1692)
A Gama e outros trechos de sinfonia para violino, viola e címbalo (1723)
- As tragédias líricas francesas
Alcide (1693)
Ariane et Bacchus (1696)
Alcyone (1706)
Sémélé (1709)

matéria para o teste

2009-03-05T17:37:00.006Z

aaaaaaaaaaa aa

Meus caros alunos,

como combinado, aqui segue a
matéria para o teste de História da Música (IIº ano),
com páginas do Grout e Palisca, História da Música Ocidental e tal...

- Características gerais da música do primeiro período barroco [Grout: pp. 307-315]

- O surgimento da ópera [Grout: pp. 316-329 + pp. 359-371]

- Música vocal de câmara no primeiro período barroco [Grout: pp. 329-335]

- Música sacra no primeiro período barroco [Grout: pp. 335-342 + 375-389]

- Música instrumental no primeiro período barroco [As fotocópias da Sebenta, que vos dei na aula + Grout, pp. 414-419]

O teste debruçar-se-á sobretudo sobre os temas a "bold", mas seria importante que dominassem toda a matéria indicada.
Bom estudo!
Até Segunda!

rprp

Girolamo Frescobaldi

2009-03-02T19:30:00.008Z

Girolamo Frescobaldi foi um dos maiores compositores italianos de música para cravo do século XVII. Nasceu a 9 de Setembro de 1583 em Ferrara e faleceu a 1 de Março de 1643 em Roma. Destacou se tanto como cantor, como também no virtuoso uso de diversos instrumentos, entre os quais o orgão. Durante a sua juventude, frequentou a Academia de Santa Cecília em Roma e foi organista na igreja de Santa Maria em Trastevere. Durante vinte anos, foi organista em São Pedro. Em 1608 publicou o primeiro livro de madrigais a cinco vozes. Em 1613 casou com Orsola del Pino e teve 5 filhos. Em 1628, terminada a experiência romana, transferiu se com a família para Florença. Em 1630 publicou duas selecções de árias: o 1° e o 2° ''Libro d'Arie musicali per cantarsi nel Gravicembalo e Tiorba a una, due o tre voci''. Em 1634 voltou a Roma e retomou o seu lugar em São Pedro, no ano seguinte publicou em Veneza: Fiori musicali, Kyrie, Canzoni, Capricci e Ricercari in partitura a quattro. Entre as suas obras vocais destaca se ''Livro Segundo de Diversas Modulações a Uma, Duas, Três e Quatro Vozes''.

Dietrich Buxtehude

2009-02-24T18:34:00.001Z

Dietrich Buxtehude foi um importante compositor alemão pertencente ao Período Barroco. Nasceu em Helsingor, na Dinamarca, em 1647 e faleceu aos 70 anos em Lübeck (Alemanha). Tal como a maior parte dos compositores deste Período, Buxtehude tocava órgão, recebendo o cargo do seu pai em 1658 como organista de igreja em Hälsingburg. Em 1668 ganha um concorrido cargo através de um concurso em Lübeck para gerente geral e organista da igreja. Casa-se, em agosto desse ano, com Anna Margarethe Tunder, filha de Franz Tunder, seu antecessor nesta igreja. Esse era o costume da época, no qual o sucessor do organista da igreja deveria casar-se com a filha do seu antecessor. A partir daí ganha prestígio com a retomada tradição dos saraus vespertinos organizados na igreja, que ocorriam cinco domingos por ano, precedendo o Natal. Ampliou grandemente o escopo destes saraus e para eles compôs algumas de suas melhores obras, em forma de cantata, das quais se preservam cerca de 120 em manuscrito, com textos retirados da Bíblia, dos corais da tradição Protestante e mesmo da poesia secular. Também se dedicou a outros géneros, como solos para órgão (variações corais, canzonas, toccatas, prelúdios e fugas), concertos para viola da gamba e concertos sacros. Existem registos de que existiram oratórios, mas perderam-se as partituras. Foi bastante visitado por compositores promissores da época (incluindo Haendel, Mattheson e Bach) devido à sua fama de organista e à sua admirável obra.

bach, johann sebastian

2009-02-12T16:17:00.001Z

Modernas técnicas forenses mostram como terá sido o famoso compositor

Como era o rosto de Bach?

29.02.2008 - 15h33 PÚBLICO, com Agências

Para muitos o melhor músico do seu tempo. Para outros, da história. Mas como era afinal a cara do génio barroco Johann Sebastian Bach? Graças às novas tecnologias digitais forenses, um grupo de especialistas apresentou ontem a expressão que terá tido o prestigiado músico: amável e bonacheirão.

A pedido da Casa Museu do músico, com sede em Eisenach, na Alemanha, a antropóloga escocesa Caroline Wilkinson ficou encarregue de reconstruir, através de modernos meios digitais, o rosto do compositor. Para chegar à imagem hoje apresentada, com 70 por cento de veracidade, Caroline recorreu a vários retratos, a medições do seu crânio e à máscara mortuária do músico, que nasceu em 1685 e morreu em 1750.

A técnica forense relevou que Bach tinha feições amplas e maduras, o maxilar inferior ligeiramente proeminente, cavidades oculares profundas, um nariz grande, algumas entradas no cabelo e lábios carnudos. O primeiro passo foi reconstruir o crânio do compositor, através de um programa informático, para depois lhe acrescentar músculos, cartilagens e pele.

Fonte da Casa Museu de Bach contou que, em 1894, o médico alemão Wilhelm Jis e o escultor Carl Ludwig Seffner, já tinham tentado reconstruir o rosto do músico, naquele que foi a primeira tentativa do género da história.

“Apesar de estarmos expectantes e de termos seguido um processo minucioso na recriação dos músculos e dos ossos, a cor da pele, dos olhos e do cabelo do músico, continuarão sempre a ser um mistério”. Nos retratos de Bach que chegaram aos nossos dias, os seus olhos às vezes aparecem azuis e outras castanhos. Na reprodução do cabelo inspiraram-se no que seria a moda da altura.

Dia 21 de Março, data do aniversário do compositor, a Casa Museu irá inaugurar a exposição “Bach através do espelho da medicina”. O principal objecto da mostra será um busto de cera do enigmático músico.

Caroline Wilkinson já reconstruiu, também, as caras de Tutankhamon.

Trocadero

2009-02-09T16:10:00.000Z

É só para ti Catarina! :)

Leonidas Kavakos

2009-02-09T10:58:00.012Z

Na última quarta-feira dia 4, inserido no Ciclo das Grandes Orquestras Mundiais, apresentou-se no Coliseu dos Recreios a Orquestra de Filadélfia sob a direcção de Christoph Eschenbach e tendo como solista o violinista grego Leonidas Kavakos.
Foram apresentadas as seguintes obras:

.Concerto para Violino e Orquestra, em Ré menor, op. 47 de Jean Sibelius

.Egmont, Abertura em Fá menor, op. 84 de Ludwig van Beethoven

.Sinfonia nº 5 de Sergei Prokofiev

Felizmente assisti a este concerto de alta qualidade, tanto por parte da orquestra como por parte do solista.

Leonidas Kavakos

Nasceu em Atenas (Grécia) em 1967. Desde de pequeno que foi considerado um grande talento no violino. Actualmente é considerado um dos músicos mais talentosos, actuando regularmente com as maiores orquestras mundiais. Vencedor de importantes concursos internacionais, tais como o Concurso Internacional Sibelius em Helsinquia em 1986, foi ainda medalha de prata no Concurso Internacional de Violino em Indianapolis, medalha de ouro no Concurso de Naumburg em Nova Iorque e medalha de ouro no Concurso de violino Paganini, ambos em 1988. Como vencedor do concurso Sibelius teve direito à gravação do concerto do próprio compositor pela etiqueta BIS, na sua versão original.

Foi um excelente concerto em que o solista demonstrou um grande à vontade em palco e um enorme perfeccionismo técnico e musical. Os bilhetes esgotaram rapidamente, o que impossibilitou que muitos assistissem a este concerto verdadeiramente imperdível para quem aprecia o instrumento e para quem o toca. Para todos os que não conseguiram estar presentes deixo aqui o final do terceiro andamento do concerto de Sibelius por Leonidas Kavakos.

Já que nos aproximamos do Carnaval...

2009-02-05T13:19:00.003Z

Sobre alguns animais:

o cisne...

os pianistas...

— Camille Saint-Säens, Carnaval dos Animais, 1886

morrer de amor

2009-01-13T13:11:00.004Z

Mendelssohn pode ter morrido de amor

13.01.2009, Sérgio C. Andrade

Documento descoberto em Londres pode trazer novidades sobre a morte do compositor alemão

A notícia da hipótese de Félix Mendelssohn (1809-1847) ter morrido em circunstâncias bem diferentes daquelas que estão registadas, e mesmo ter-se suicidado, levantada ontem pela jornalista e escritora Jessica Duchen no The Independent, virá certamente trazer um suplemento de atenção, e de polémica, à comemoração do bicentenário do compositor romântico alemão.

A história oficial diz que o autor da música para Sonho de uma Noite de Verão (1843) morreu de um ataque de coração a 4 de Novembro de 1847, com apenas 38 anos, sucumbindo à dor da perda, seis meses antes, da sua irmã Fanny, também vítima de crise cardíaca (um mal hereditário, ao que se julga).
Mas as coisas podem não ter acontecido exactamente assim. No jornal britânico, Jessica Duchen escreve que, a crer num documento removido nos arquivos da Royal Academy of Music (RAM), em Londres, as circunstâncias e razões da morte de Mendelssohn podem ter estado relacionadas com uma paixão não correspondida pela soprano sueca Jenny Lind (Johanna Maria Lind, 1820-1887, imortalizada na galeria do canto lírico como a Rouxinol Sueca).
O que foi agora descoberto nos fundos documentais da instituição londrina foi uma declaração do marido de Jenny Lind, Otto Goldschmidt, depositada em 1896 no arquivo da então Fundação Mendelssohn (que posteriormente passou a acolher a RAM), em que ele confessa ter destruído uma carta do compositor à cantora, porque considerou que ela poderia tornar-se "tremendamente danosa para a reputação" de ambos.
O teor da carta, ainda segundo o testemunho de Otto Goldschmidt - que fora aluno de Mendelssohn e casara com Jenny Lind em 1852, já após a morte do compositor -, seria "uma apaixonada declaração de amor", em que o compositor rogava à cantora que fugisse com ele para a América, ameaçando mesmo suicidar-se, se ela não dissesse que sim. O compositor viria a morrer poucos meses depois.
Ao depositar a sua declaração, Goldsmith estabeleceu que ela não poderia ser aberta num prazo inferior a 100 anos. Ora esse prazo já expirou em 1996, mas a investigação sobre a autenticidade da declaração continua por fazer, o que levou já um biógrafo de Mendelssohn, Clive Brown, que teve conhecimento dos documentos depositados no RAM, a falar de "uma conspiração de silêncio" em volta do seu conteúdo. Citado pela jornalista do Independent, o actual presidente da RAM, Curtis Price, defende também que o assunto justifica "uma investigação séria e aprofundada".
Ainda que a teoria do suicídio do compositor - através da ingestão de veneno, por exemplo - possa parecer demasiado especulativa, ela não deixa de poder pôr em causa a ideia feita de um Mendelssohn com uma vida feliz como marido e pai de família (teve cinco filhos), em simultâneo com uma obra e uma carreira reconhecida no seu tempo, tanto no seu país (foi director do Conservatório e maestro da Orquestra de Leipzig) como na Europa, e especialmente em Inglaterra, onde se deslocou uma dezena de vezes e chegou a ser recebido pela rainha Vitória.
Sobre a relação de Mendelssohn com Jenny Lind (que parece ter despedaçado também o coração de Hans Christian Andersen, que nela se inspirou para escrever o conto Nightingale, 1844), sabe-se que se conheceram em Berlim, em Outubro de 1844, e que com ela se encontrou com regularidade, principalmente em Londres. O compositor imaginou mesmo para Jenny uma ópera baseada na lenda de Lorelei, e dedicou-lhe o solo de soprano da oratória Elias (1846), uma das suas obras mais celebradas. Mas acabaria por (fazer-se?) morrer precocemente, em 1847. Com o "não" da Rouxinol Sueca na alma?

jovens vozes de lisboa: inscrições abertas

2009-01-12T02:30:00.000Z

olha quem é ele!

2009-01-06T15:00:00.003Z

PENA SUSPENSA...

2009-01-06T14:50:00.000Z

O condado de Lipton, no estado norte-americano do Colorado, tem uma lei que limita o volume das aparelhagens nos automóveis. O juiz Paul Sacco decidiu impor a lei a alguns delinquentes forçando-os a ouvir, durante uma hora, outro tipo de música.

NÃO TE FAÇAS DE SURDO

2009-01-06T14:46:00.003Z

A música também pode magoar

25.11.2008, Andrea Cunha Freitas

O que fazemos quando ouvimos uma música de que gostamos? Pomos mais alto e, não contentes com isso, às vezes ainda cantamos por cima. Pois é. Se for só uma música, tudo bem. Mas e se é o disco inteiro? E se isso se repete ao longo da semana? Um relatório encomendado pela União Europeia (UE) alerta: entre 2,5 e 10 milhões de pessoas na Europa (cinco a dez por cento dos utilizadores de leitores de música pessoais) correm o risco de perder a audição por causa do uso (mais do abuso) de auscultadores. Basta que usem estes aparelhos portáteis durante mais de uma hora por dia, todas as semanas, com um volume elevado, durante pelo menos cinco anos.
O aviso do Comité Científico dos Riscos para a Saúde Emergentes e Recentemente Identificados (CCRSERI) vale para quem prefere os antigos auscultadores de almofadas e para os que escolhem os auriculares. A fonte do ruído será indiferente porém e o aumento das vendas dos mp3 nos últimos anos na Europa chamou a atenção dos especialistas. As estimativas referem que entre 50 e 100 milhões de pessoas na Europa usam todos os dias leitores de música portáteis e que nos últimos quatro anos tenham sido vendidos entre 124 e 165 milhões de mp3 na UE.
Foi precisamente o "aumento súbito de jovens expostos" que justificou a solicitação deste parecer a um comité científico independente. "As descobertas científicas indicam um risco claro e temos de reagir rapidamente. [...] É igualmente necessário reexaminar os controlos em vigor, tendo em conta este parecer científico, para garantir que são inteiramente eficazes e acompanham as novas tecnologias", refere Meglena Kuneva, comissária europeia responsável pelas questões dos consumidores. Na sequência das conclusões do parecer, a Comissão já anunciou que vai agendar uma conferência para o início de 2009 com todos os interessados (comité científico, representantes dos Estados-membros, da indústria e consumidores) e discutir novas regras a adoptar. Para já, está em vigor uma norma de segurança europeia que limita o nível acústico dos aparelhos a 100 decibéis.
O parecer divulgado em Outubro nota que, "mesmo que os utilizadores de leitores de música pessoais oiçam apenas cinco horas por semana com o volume superior a 89 decibéis, ultrapassam os limites em vigor para o ruído permitido no local de trabalho.
És mesmo surda, Sofia
A Dj, de 30 anos, Sofia Morais (aka Sofia M.) já faz ouvidos moucos às bocas dos amigos. "És mesmo surda, Sofia", dizem-lhe há já vários anos cada vez que ela pede para repetir uma frase. Frederico Martins não é Dj mas ouve muita música desde muito novo e muito alto. Por isso, hoje ninguém o ouve. É que - habituado à sua quase surdez - fala muito baixo, às vezes quase só sussurra. É claro que também faz parte do seu charme, mas ainda assim os problemas de audição que obrigam a alguma proximidade física num diálogo não são esquema de engate, garante. Mais do que pedir que lhe repitam o que lhe disseram, costuma responder a palavras que não foram ditas na conversa. Um exemplo: a "hoje não" Frederico pode responder "não, não quero pão, obrigado".
Segundo explica Jorge Spratley, professor de Otorrinolaringologia na Faculdade de Medicina da Universidade do Porto (FMUP), um dos primeiros sintomas da perda de capacidades auditivas é a "diminuição da discriminação das palavras". "As pessoas ouvem mas não entendem o significado das palavras", refere o especialista, acrescentando que muitas vezes esta dificuldade é ignorada ou menosprezada durante muito tempo.
"Sabemos que exposições prolongadas a ruídos acima dos 80, 90 decibéis podem ser traumáticas", diz Jorge Spratley. No ouvido interno temos células muito frágeis. Ao longo da vida, com alguns maus tratos, vamos abatendo o saldo de cerca de 16 a 20 mil células que temos em cada ouvido. A idade tem a sua quota parte na destruição das células, mas a exposição a ruídos pode ser um grande aliado. Mas mais importante ainda, sublinha o professor da FMUP, uma vez perdidas estas células, estão perdidas para sempre. "Elas não se regeneram", alerta.
Zumbidos
"Se uma pessoa estiver uma noite numa discoteca, vem para casa com um zumbido, mas depois acaba por recuperar, havendo apenas uma alteração temporária dos limiares auditivos. Mas se esta exposição for repetida dá origem a lesões irreversíveis. Por outro lado, mesmo exposições curtas, inferiores a meia hora, a um ruído muito intenso (acima dos 120 decibéis), podem provocar lesões graves." O otorrinolaringologista chama ainda a atenção para a perigosa combinação que pode existir entre drogas e som: "Às vezes os miúdos estão nas discotecas sob o efeito de drogas como o ecstasy que podem provocar alucinações e as pessoas ficam com capacidade para estar horas seguidas debaixo de sons muito intensos. E quanto mais intenso, mais sensações provoca."
Sofia Morais já não é uma miúda. Longe vão os tempos em que tinha 13 anos e começou a ir a concertos. Hoje são demasiados para se contar e os suficientes para que os hábitos já tenham tido tempo para mudar. "Se houver lugar à frente, fico à frente. Mas já não faço questão disso como fazia antes. Ficava muitas vezes ao pé das colunas." Pronto, mas isso era um concerto. No máximo, Sofia trazia para casa um zumbido. A perda de audição, diz, estará mais relacionada com a sua actividade de Dj. Terá mais a ver com Sofia M. "Faço muitas vezes pré-escuta muito alto", conta. Há dois anos decidiu investir numa protecção melhor. "Comprei uns fones mais caros, daqueles que não deixam passar o som." O "mais caro" para o bolso de Sofia equivale a cerca de 150 euros, mas há auscultadores a preços bem mais elevados, próprios para Dj.
"Tenho consciência de que ouço mal. Mais do ouvido direito", reconhece. Apesar disso, Sofia não marcou ainda nenhuma consulta num especialista. "Talvez marque. Ainda não senti essa necessidade. Para já, vou tentar proteger-me melhor daqui para a frente", diz.
Frederico Martins também é cliente assíduo de concertos, passou a fase dos walkman, dos discman e agora dos mp3 e iPod. Tem 35 anos, sabe que ouve mal e suspeita de que uma das principais razões será o mau uso dos auscultadores. "Não sei que tipo de surdez tenho. Uma vez fizeram uma medição, ficaram assustados e mandaram-me para o médico", conta. Mas as visitas a um médico são sucessivamente adiadas.
Jorge Spratley nota que não se trata apenas da questão dos decibéis, o tipo de música também pode ser importante. Os sons actuais - músicas potentes com batidas fortes - ajudam, literalmente, ao barulho. "A sensação provocada pela música é, muitas vezes, associada à potência sonora e não à qualidade." O auscultador, acrescenta, permite um "direccionamento para o ouvido de sons que normalmente são camuflados pelo ambiente".
O zumbido - outro dos sintomas da perda de capacidades auditivas - pode incomodar mais do que não ouvir as palavras. A sua persistência pode ser perturbante, sobretudo quando nos encontramos em silêncio e não há possibilidade de o mascarar. Por isso, este é um dos sintomas que levam as pessoas ao consultório de um especialista. Segundo Jorge Spratley, o que se perde primeiro são os sons mais agudos, desde campainhas ao chilrear dos pássaros. Depois segue-se a dificuldade em entender o que as pessoas dizem, o não perceber de onde vem o som... Só em casos extremos é que poderá surgir o sintoma da dor. "A dor só existe quando há uma potência sonora acima dos 140 decibéis. Aí, uma exposição muito breve pode provocar lesões irreversíveis."
O aviso da Comissão Europeia, reproduzido no Portal da Saúde, faz sentido. "Há razões para nos preocuparmos", admite Jorge Spratley. Serralheiros mecânicos, Dj, trabalhadores da indústria têxtil que não se protejam destes sons e, claro, os músicos são apenas algumas das profissões de risco. Actualmente, começam a chegar à consulta de Jorge Spratley "indivíduos de meia idade que abusaram dos seus ouvidos na adolescência". Entre outros abusos, encontra-se o uso de auscultadores ainda do tempo dos walkman. Mas o problema também está nos pacientes que nunca chegam a marcar consulta, como Sofia e Frederico. É que, segundo repara o otorrinolaringologista, a perda de audição ainda têm um estigma associado. Ver mal e ter de usar óculos não parece ser caso grave para ninguém, mas o mesmo já não se poderá dizer sobre ser "surdo" com a eventual necessidade de recorrer a um aparelho auditivo
Em nome da prevenção e para proteger os ouvidos das actuais e futuras gerações, o especialista propõe regulamentação exigente, fiscalização dos ambientes públicos onde há sons intensos e rastreios à população. Mas, mais do que tudo, nota que cabe a cada um de nós baixar o volume. Não se faça de surdo.

Por falar em Pachelbel

2009-01-05T18:09:00.005Z

Antes de mais, Bom Ano!

Que seja muito melhor que o ano que acabou! e com muito sucesso a todos os níveis!

Hoje na aula lembrei-me de um video do youtube de um humorista americano que penso que vale a pena ser posto aqui.

é uma paródia ao Canon do Pachelbel.

espero que consigam compreender inglês... Se não conseguirem à 1ª, vejam outra vez... eheh

Lisbon Film Orchestra

2008-12-30T20:49:00.006Z

Já passou algum tempo, mas não faz mal...

Fui ver o concerto da Lisbon Film Orchestra ao cinema S. Jorge no dia 20!

alguem mais foi?

Estavam a tocar algumas caras nossas conhecidas. A mais conhecida de todos é a Ana Rita Damil, mas estava também o Bruno Gomes(antigo aluno de violino) e o Professor de Trompete. (não me lembro de mais ninguém)

Bom, o comentário...

Foi giro!

A ideia é boa! Eu penso que ha muitas bandas sonoras com um grande valor musical e que devem ser reproduzidas em concerto.

Musicalmente o concerto foi bom, embora os percussionistas estivessem com alguma frequência "ao lado". Para mim, que conhecia as músicas quase todas (e algumas de trás para a frente), era bastante evidente (às vezes mesmo escandaloso) mas mesmo pessoas que não conheciam as Bandas Sonoras e que não percebem "nada" de música notaram algumas das vezes...

Como espectáculo em geral foi um bocado decepcionante. :(

O concerto foi acompanhado por projecção esporádica de video e por interludios de video entre as músicas, também por uma TENTATIVA de espectáculo de luz. Digo tentativa porque foi uma catástrofe!

Primeiro: os videos devem ter sido escolhidos ao acaso e não representavam minimamente o que a música estava a "dizer" e (parecia) começavam e acabavam aleatoriamente no meio das músicas. Em relação a este ponto, eles (não sei se o director artistico, se o produtor, se o maestro, se o responsavel pela selecção de video, se todos) esqueceram-se do fundamental: as bandas sonoras não são concertos!!! são feitas para acompanhar uma imagem! Servem para ajudar o filme(e o realizador) a transmitir determinada ideia ou emoção. Fizeram a proeza de conseguir por numa parte da música altamente "melosa" e sentimental uma cena de acção do arco da velha...

Mas adiante,

Em termos de Luz, não ha grande coisa a dizer... foi uma coisa muito pobrezinha e por vezes despropositada.

Dizem vocês: "mas quem é que repara nisso?"
e eu respondo: "eu! e todos os que gostam de música e de cinema e da música no cinema!" Se querem fazer alguma coisa, façam bem! não façam na base do "ninguém vai dar por isso"...

Em relação à luz dizem: "ah mas não há dinheiro fizemos como o orçamento deixava..."
e eu digo: "oh! tretas! com o equipamento que lá havia podiam fazer melhor!"

Bom, isto ja vai longo demais!

Desculpem se a análise é muito técnica... mas há coisas que não consigo deixar passar...

Em suma:

Musicalmente um bom espectáculo! Se não entrarmos em preciosismos (havia musicas k estavam + rápidas outras lentas demais... :S)

Valeu a pena ir ver!
Os bilhetes... bom, eram um bocado caros... como disse uma pessoa "pagar 25€ para ir ver alunos a tocar?"

tinha-me esquecido de deixar aqui um video a ilustrar o concerto...

e outro...

Aproveito também a ocasião para desejar a todos um Excelente ano de 2009 com muitos espectáculos e concertos de qualidade!

Happy New Year!

Coma

2008-12-27T18:20:00.001Z

Uma piada para as férias...

Músico que é músico quando sai de coma nunca volta a si... volta a si b!

Boas Férias!

Da Treta!

2008-12-18T00:51:00.004Z

Pois é...

acabei de chegar a casa de mais uma noite cultural...

decidi partilhar!

Hoje fui ver o Zezé e o Toni! Dois ícones do humor português.

"A verdadeira Treta" é o espectaculo que está em cena no Casino de Lisboa (para M12) desde Setembro e até ao próximo domingo!

e espantem-se: sempre cheio!

hoje ainda estava a última fila vazia... mas está esgotado até ao ultimo dia.

Sobre o espectaculo pouco há a dizer... São as piadas "à la Conversas da Treta"...

Grandes momentos de gargalhada. muitos trocadilhos inteligentes (alguns inteligentes de mais... k eu fikei a apanhar do ar...) e as piadas eram umas atrás das outras.

Mais uma boa noite de entretenimento! que valeu os 18€ do bilhete!

aqui fica um videozinho de uma reportagem da TVI

http://br.youtube.com/watch?v=dTo_sxdNB0w

e outro:

Boa treta!

FAME

2008-12-15T14:04:00.004Z

Who Wants To Live Forever? perguntava Fredy Mercury...

e há quem responda:

"FAME! I Want to live forever!"

Não há melhor maneira de ficar neste mundo para toda a eternidade que atingir o estrelado ou fazer alguma coisa de relevante por alguem ou por todos em geral.

É assim que pensam os estudantes da academia de estrelas mais famosa do mundo.

Fame é um musical dos anos 80 que esteve em cena no Teatro Tivoli em Lisboa em Outubro e que volta agora para uma reposição até dia 30 de Dezembro

O musical é falado em Português e cantado em Inglês.

Quando o fui ver achei-o com muitas falhas técnicas, mas com uma qualidade bastante apreciavel ao nível de interpretação e canto.

Os jovens actores (no elenco ha apenas 4 ou 5 actores com mais de 25 anos) fazem um bom trabalho.

O Ponto alto do espectaculo é mesmo o final havendo alguns "episódios" mais relevantes durante as quase 2 horas de espectaculo.

Para mais informações espreitem o site:
http://www.fameomusical.com/

Não é um espectaculo daqueles a não perder... Mas é uma boa noite de entretenimento.

Enjoy!

Deixo também aqui um video não oficial do fim do espectaculo

Orquesta Juvenil Simón Bolívar da Venezuela

2008-12-13T17:09:00.004Z

Músicos...

há-os em todo o mundo...

agora vejam só a alegria com que estes tocam.

- Uma orquestra a dançar?
- ah... não sejam parvos... isso não existe!

- Tocar de Fato de treino?
- isso é no mínimo imbecil!

pronto... s calhar até ha algumas que fogem à regra...

É Orquesta Juvenil Simón Bolívar da Venezuela no festival "BBC Proms 2007" já no final da actuação a tocar 2 encores: Pajarillo-Alma LLanera" e "Mambo".

e olhá ondaaaaaaaaa....

P.S.: ah... e sim! eu devia estar a estudar História... ups!

Os intervalos

2008-12-13T17:04:00.003Z

O público pede, nós damos!

dedicado a todos os que pediram para (re)ver esta pérola das teorias de composição

aqui fica:

Catarina... controla-te!!!

Música e Tortura

2008-12-10T22:09:00.001Z

Música é utilizada como instrumento de tortura

O dia em que o Mundo assinala os 60 anos da Declaração Universal dos Direitos do Homem foi aproveitado por um grupo de activistas para o lançamento de uma campanha contra a utilização de música como meio de tortura. A forma estará a ser utilizada no Iraque e em Guantánamo.

http://ww1.rtp.pt/noticias/index.php?headline=98&visual=25&article=377147&tema=31

Olivier Messian (1908-1992)

2008-12-10T21:55:00.005Z

O compositor que pôs a eternidade ao alcance dos ouvidos humanos

BERNARDO MARIANO

Música. Centenário de Olivier Messiaen (1908-1992)

Figura singular da música do século XX, Messiaen faria 100 anos neste dia

Foi preciso o ano dar a volta quase completa para a música clássica festejar os centenários natalícios redondos de 2008: o de Olivier Messiaen, falecido em Abril de 1992 e o do norte-americano Elliott Carter, que... completa amanhã 100 anos!
Atenhamo-nos por hoje em Messiaen, pois que esse nasceu num 10 de Dezembro, em Avignon. Compositor, sim, mas igualmente organista, pianista, pedagogo, Messiaen foi uma personalidade de grandeza absolutamente primeira na música do século passado. Nascido para a criação (final dos anos 20) num momento em que as correntes do neo-classicismo e do dodecafonismo se digladiavam pela primazia enquanto vias mais idóneas para a "nova música", Messiaen foi sempre resolutamente moderno, mas também sempre absolutamente pessoal, sem se deixar subsumir em qualquer das correntes estéticas dominantes, dessa ou de qualquer época. Daí ser justo dizer- -se que Messiaen é um "planeta" à parte, isto é: ele conseguiu obter desde cedo aquela "marca" dos grandes mestres que consiste em deter uma linguagem e um som imediatamente reconhecíveis e inconfundíveis.
Para tal contribuiu antes de mais a sua profunda e extravasante fé católica, eivada de misticismo e cultora de tudo o que de gozoso, glorioso e luminoso contêm os diversos mistérios do credo romano - só por uma vez, no Sétimo Quadro do São Francisco de Assis, sua única ópera, é que Messiaen "enfrenta" a dor da Crucifixão.
Em segundo lugar, a sua linguagem melódica, harmónica e rítmica, que expôs de forma muito precisa emu tratado/manual Technique de mon langage musical, publicado em 1944. Os sete modos de transposição limitada que criou enquanto sistema e base de melodia e harmonia; recuperação da monodia gregoriana; investigação profunda sobre o ritmo que empreendeu toda a vida (e passou aos muitos alunos, entre os quais Boulez), aí se incluindo a recuperação da métrica grega (modos rítmicos), uso de tâlas típicas da música indiana, recurso aos valores acrescentados; o sentido muito peculiar da harmonia, facultado pela sua sinopsia, isto é, a faculdade de ver cores ao escutar agregados de sons.
Por fim, e não menos definidor, a marca que na sua música há do canto dos pássaros.
Autor de uma enorme produção que se estende pela música para órgão, piano, de câmara, vocal (com ou sem instrumentos), concertante, sinfónica, coral-sinfónica e a ópera atrás citada, Messiaen merecerá sempre ser conhecido. E fruído.

quem vai participar no Youtube Symphony Orchestra?

2008-12-03T16:47:00.001Z

Música. Instrumentistas seleccionados actuarão no Carnegie Hall

"O YouTube acaba de lançar mais um desafio aos internautas: a criação de uma orquestra online. Uma orquestra com músicos profissionais e amadores, das proveniências mais diversas, a seleccionar entre os que se candidatarem aos lugares. Uma orques- tra onde nem tudo será virtual uma vez que, em Abril de 2009, os recrutados irão dar um primeiro concerto em Nova Iorque. O local? O mítico Carnegie Hall, sob direcção do maestro Michael Tilson Thomas.

A ideia parece entusiasmante. Através de um canal, em www.youtube.com/symphony, qualquer um poderá, até 29 de Janeiro, enviar a sua candidatura para integrar a YouTube Symphony Orchestra. Cada candidato terá de interpretar, no instrumento por si escolhido, uma parte de uma peça do compositor Tan Dun (globalmente revelado pela banda sonora do filme O Tigre e o Dragão).

No canal dedicado à orquestra estão já disponíveis partituras e informação adicional sobre a obra de Tan Dun. Cada candidato deverá então filmar a sua performance e depois fazer o upload da sua parte instrumental. Uma actuação virtual da orquestra, reunindo os vídeos das várias partes instrumentais, será apresentado no YouTube.

Ao vídeo com a peça de Tan Dun cada candidato deverá juntar um outro, interpretando uma entre uma série de peças do repertório clássico, a escolher entre um lote proposto. Um vídeo de apresentação deste projecto mostra o próprio Tan Dun, assim como uma série de jovens músicos, recomendando a todos os candidatos que pratiquem.

A selecção dos perto de 200 elementos da orquestra real (nascida da virtual) será feita por um júri especializado. E em Abril de 2009 serão convidados para actuar em Nova Iorque.|- N.G."

Uma Sonata de Beethoven: nota de programa para a classe da Professora Madalena Reis

2008-12-02T16:53:00.001Z

— Sonata nº. 15 in Ré, Op. 28, por Alfred Brendel

As 32 Sonatas para piano de Beethoven constituem um grande tesouro que incorpora parte da eternidade humana. Edwin Fischer dizia: “Para Beethoven, a forma-sonata não é um esquema que pode ser usado por capricho num dia e abandonado noutro. Esta forma domina tudo o que ele pensa e compõe; é a derradeira marca da sua criação e a forma do seu pensamento – uma forma intrínseca, natural”.

Beethoven foi uma figura crucial na transição do período Clássico para o período Romântico, desempenhando, entre outros, um papel essencial na transformação e evolução da forma-sonata. Nela, ele impõe a sua forte personalidade, criando uma nova forma de arte, na qual a sua própria vida, com as suas alegrias e tristezas, é projectada. Em Beethoven, o “tema” adquire proporções admiráveis, de uma força tal que se impõe sobre a atenção e a memória do ouvinte. O “tema” transforma-se num conceito que se espalha por toda a obra, tornando-a facilmente reconhecível, mesmo se os seus aspectos harmónicos, modais ou tonais mudem. O princípio fundamental na organização das sonatas para piano de Beethoven é a tonalidade. Poder-se-ia dizer que ela representa a chave de qualquer composição sua, já que (para ele) conduz à verdadeira compreensão da forma musical. No entanto, qualquer que seja o número de andamentos, o seu tipo, tonalidade, ordem, as suas formas ou mesmo as suas durações, uma característica pode ser estabelecida entre todas as sonatas de Beethoven: o grande cuidado do compositor em criar uma conecção facilmente perceptível entre as partes constituintes das suas obras.

A Sonata nº 15, op. 28, em Ré Maior, “Pastoral”, foi escrita e publicada no ano de 1801, com dedicatória ao Conde Joseph von Sonnenfels (daí também ser conhecida como Sonnenfels-Sonate, nomeadamente na Alemanha). Com alguma controvérsia, podemos afirmar que é uma das primeiras sonatas do chamado “período intermédio” das suas três fases de escrita. O subtítulo “Pastoral”, que partilha com a Sinfonia nº 6 (op. 68, em Fá Maior), foi-lhe atribuido pelo seu editor, Augusto Cranz. Tem sido especulado se este subtítulo se referirá de facto ao lado mais campestre e ligado à natureza, tal como na Sinfonia nº 6, ou apenas ao sentido de calma, simplicidade e leveza da palavra. Não obstante, uma coisa é evidente: tanto o primeiro andamento como o último podem ser descritos como “pastorais”; já os andamentos intermédios não.

O primeiro andamento, Allegro, começa com um baixo repetitivo e monótono, quase como um tímpano ou mesmo uma gaita-de-foles. Por cima, o tema principal, simples e calmo, no entanto, astuto. Eventualmente, o segundo tema é-nos apresentado sobre uma passagem de constantes colcheias. Aqui também uma melodia simples, com a qual podemos imaginar autênticas paisagens “pastorais”. O Desenvolvimento passa por várias tonalidades menores, numa progressão crescente de dramatismo e angústia, que culmina no desvanescimento sonoro dos temas principais. A Reexposição traz-nos de volta os temas do início.

Em oposição ao ambiente bucólico do primeiro andamento, o segundo, Andante, apresenta um carácter mais desesperado e subjugado. Na relativa menor da tonalidade da obra (Ré menor), proporciona-nos uma temática mais solene, quase cerimonial. A sua característica mais marcante é o baixo, erguido sobre uma estrutura estática de semicolcheias em staccato, dando ao andamento um aspecto de marcha. No meio, uma pequena diversão na tónica Maior, onde Beethoven escreve um diálogo com perguntas em galopes staccato e respostas em tercinas de semicolcheias. Rapidamente voltamos ao ambiente sombrio da primeira parte, desta vez com algumas variações e ornamentações adicionais. Beethoven tinha um gosto pessoal por este andamento.

O Scherzo-Trio: Allegro vivace já conta com um ambiente mais brincalhão e humorístico. A sua característica fundamental é o grande contraste que Beehoven cria entre quatro longas notas, todas elas à distância de oitava, e a melodia principal em colcheias rápidas. O parte do Trio apresenta uma melodia de quatro compassos, repetida oito vezes, quatro delas de maneira diferente. É um momento bastante alegre na obra, contudo sempre bem frontal e directo.

O último andamento, Rondo: Allegro ma non troppo, é provavelmente aquele que mais se aproxima do verdadeiro significado da palavra “pastoral”. É interessante notar que, até à data da publicação desta obra, Beethoven nunca havia escrito “non troppo”, o que muito claramente nos trasmite a ideia de que esta indicação era bastante importante para ele. Todo este andamento apresenta vários episódios interessantes e divertidos, aventurosos até, com ambientes, ritmos, harmonias e texturas contrastantes. A coda (Più Allegro) é a passagem mais virtuosa de toda a sonata. Este último momento finaliza, de uma forma brilhante, uma sonata que, no seu geral, se apresenta de forma calma e “pastoral”.

— Bernardo Marques

Umberto Giordano no filme Philadelphia

2008-12-02T16:16:00.000Z

— "La Mamma Morta" in Umberto Giordano, Andrea Chénier

a revelação!

2008-11-27T14:54:00.001Z

josé augusto bettencourt

2008-11-25T16:31:00.000Z

A Música e a Matemática

2008-11-13T21:59:00.001Z

É certo que muitas vezes a Matemática é para nós um problema complexo... Mas nas últimas décadas, os cientistas, os investigadores e em geral os musicómanos e inspirados, têm vindo a aperceber-se da relação entre a música e a matemática.
O primeiro e mais óbvio indício desta relação é o ritmo, a duração das notas, a organização das partituras em geral.
Por outro lado, um ramo do estudo das ciências musicais - a acústica - está muito dependente das organizações matemáticas e até a construção dos instrumentos obedece a determinadas funções matemáticas.
Para além disto, descobriu-se que a música e a matemática estão relacionadas com a mesma área cerebral! Mesmo que as pessoas que têm talento musical não se dêem bem com os números e vice-versa, todos temos de concordar que ambas as áreas desenvolvem e estimulam o raciocínio.
No passado Outubro, na Casa da Música, no Porto foram apresentadas várias palestras com este tema, com o objectivo de juntar profissionais de ambas as partes e estimular a interacção de duas áreas que, com a era tecnológica, se aproximam cada vez mais.
Para saber mais sobre este tema, consultar os sites:
http://www.fc.up.pt/cmup/musmat/
http://www.educ.fc.ul.pt/icm/icm2000/icm34/index.html

Musica est exercitium arithmeticæ occultum nescientis se numerare animi.
(A música é um exercício oculto de aritmética de uma alma inconsciente que lida com números)
Gootfried Wilhelm von Leibniz (1646-1716)

notas ao programa do concerto dos 30 anos de EMNSC

2008-11-11T17:18:00.000Z

Marcos Portugal, Il Duca di Foix (Abertura)

Marcos António da Fonseca Portugal nasceu a 24 de Março de 1762 em Lisboa. Aos 9 anos iniciou os seus estudos musicais, no Seminário Patriarcal, em composição, canto e órgão. Aos 14 anos realizou a sua primeira composição, um “Miserere”, obra de carácter religioso, domínio no qual se iria destacar mais tarde. Devido à grande qualidade e popularidade das suas melodias, a corte portuguesa ofereceu-lhe, em 1892, uma bolsa para estudar em Itália, país para onde se transferiu de imediato. Fixando-se em Nápoles, importante centro de ensino musical da época, compôs as primeiras óperas, ao estilo italiano. Regressou a Portugal oito anos depois, cheio de vaidade, devido ao sucesso obtido em Itália. Aos 49 anos viajou para o Brasil com a corte do rei D. João VI, e aí ficou até à sua morte, não tendo conseguido regressar a Portugal devido a dois ataques apopléticos que tivera. Morreu a 17 (ou 7) de Fevereiro de 1830, no Rio de Janeiro.
A peça em programa trata-se da Abertura da ópera Il Duca Di Foix (1805) escrita aquando do regresso de Marcos Portugal de Itália. O “dramma per musica” Il Duca Di Foix teve como libretista Giuseppe Caravita.

Pedro Baião

Jean Sibelius, Valsa Triste

Jean Sibelius nasceu em Tavastehus (Finlândia) a 8 de Dezembro de 1865. Estudou Direito, mas preferiu dedicar-se à sua vocação musical, que prosseguiu na Alemanha e na Áustria. É um dos mais famosos compositores escandinavos e a sua obra pode ser vista na transição entre o romantismo e as novas tendências. Contudo, desenvolve um estilo próprio muito ligado à linguagem musical do seu país, o que gerou grande entusiasmo desde as suas primeiras apresentações. Sibelius morreu em Järvenpää, perto de Helsínquia, a 20 de Setembro de 1957.
Esta Valsa Triste foi extraída e publicada de um conjunto de peças compostas para a peça teatral Kuolema. Moldada numa forma ternária, Valsa Triste, abre com uma afirmação simples que introduz de imediato um estado de espírito avassalador senão mesmo uma melancolia “agridoce”. Enquanto a música se revela, apresenta-nos uma ambiência entre a alegria e a tristeza, o que, à medida que se desenvolve, nos conduz para um final sombrio com três sinistros acordes tumultuosos.

Bernardo Machado

Joseph Haydn, Concerto em Dó Maior para Violoncelo (Andamento I)

Haydn (n. 1732 – m. 1809) foi um compositor prolífico, tendo escrito cerca de 104 sinfonias, 83 quartetos e 175 obras para baryton, entre muitas outras. Escreveu relativamente poucos concertos, cerca de 30 no total, se considermos todos os que lhe são atribuídos. Dos três concertos para violoncelo conhecidos, conservaram-se apenas dois, sendo o primeiro o Concerto para Violoncelo em Dó Maior, com data de 1765 (um ano antes do grupo dos Esterhazy se mudar para o novo palácio) e descoberto em Praga em 1961.
O Concerto em Dó Maior para Violoncelo e Orquestra foi composto na década de 60 do séc. XVIII e testemunha as influências barrocas da juventude de Haydn que se materializam no uso das hemíolas, no diálogo evidente entre o solista e a orquestra que o acompanha e na enorme quantidade de ritmos pontuados. No primeiro andamento, Moderato, os ritornelli da orquestra provocam um clima festivo que faz sobressair a sonoridade do canto solista.

João Matos

Ludwig van Beethoven, Romanza para Violino e Orquestra

Ludwig van Beethoven nasceu em Bona (Alemanha) no dia 16 de Dezembro de 1770 e viria a falecer, em Viena, a 26 de Março de 1827. Foi um compositor de transição entre o período clássico e romântico e é até hoje um dos compositores mais reconhecidos e interpretados. Na sua juventude foi viver para Viena onde estudou com Joseph Haydn e onde ganhou uma reputação de virtuoso do piano. Na sua vida adulta começou a ter problemas de audição, mas esse facto não o impediu de continuar a compor e dirigir, mesmo depois de estar completamente surdo.
A peça que hoje vamos ouvir é a segunda Romanza para Violino e Orquestra, em Fá Maior, op. 50 e terá sido composta em 1798, ainda na primeira fase da obra do compositor, caracterizada pelo seu cariz mais classicista. Esta peça tem alguns contrastes melódicos e harmónicos: inicia com um tema muito amoroso que irá repetir-se ao longo da peça a que se seguem certas partes em que sentimos um forte dramatismo (provavelmente representando de alguma forma alguns dos sentimentos ínitmos do compositor) para regressar, em seguida, às melodias românticas características de Beethoven e finalizar com orquestra.

Artur Mouradian

Franz Schubert, Sinfonia Incompleta

Franz Peter Schubert nasceu em Himmelpfortgrund, perto de Viena, a 31 de Janeiro de 1797 e morreu, em Viena, a 19 de Novembro de 1828, com apenas 31 anos de idade. Sendo um compositor austríaco do fim do período clássico, revela já na sua obra um estilo com características românticas.
Escreveu cerca de seiscentas obras, entre óperas, sinfonias e sonatas não tendo, no entanto, visto a sua obra reconhecida em vida o que o levou a passar por sérias dificuldades económicas (porque não conseguia assegurar emprego de forma permanente, Schubert recorria à ajuda de amigos e do trabalho de professor que seu pai lhe deu).
Hoje, é considerado por muitos como um dos mais influentes compositores do século XIX, pois a sua obra marca a transição do estilo clássico para o romântico.
A controvérsia existente à volta da sua “Sinfonia Inacabada” ou “Sinfonia Incompleta”, (Sinfonia nº8, D 759) cuja composição Schubert abandonaria ao cabo de dois andamentos, pensa-se poder não estar relacionada com uma suposta falta de inspiração, mas com o facto de conter certas passagens de inspiração beethovenianas das quais Schubert teria consciência e que temia ver criticadas adiando por isso a sua conclusão e publicação.

Pedro Mata

Joly Braga Santos, Hino à Juventude

José Manuel Joly Braga Santos nasceu em Lisboa, a 14 de Maio de 1924. Estudou violino e composição no Conservatório Nacional de Lisboa, sob a direcção de Luís de Freitas Branco, o principal compositor da altura. Após a Segunda Guerra Mundial teve a oportunidade de continuar os seus estudos no estrangeiro, onde estudou direcção com Hermann Sherchen e Antonino Votto e composição com Virgilio Mortari.
As suas primeiras quatro sinfonias foram de imediato apresentadas pela Orquestra Sinfónica da Radiodifusão Portuguesa, sob a direcção do maestro Pedro de Freitas Branco e obtiveram um enorme sucesso. O maestro, ao reconhecer o talento de Braga Santos, lançou-o numa carreira internacional, apresentando as suas obras por toda a Europa. Numa fase mais tardia da sua vida, iniciou a disciplina de análise no Conservatório Nacional de Lisboa. Foi, também, um dos fundadores da Juventude Musical Portuguesa. Morreu em Lisboa, a 18 de Julho de 1988.
Para além das suas 6 sinfonias, escreveu um Requiem, três aberturas sinfónicas e ainda algumas obras baseadas em poemas de poetas portugueses como Fernando Pessoa, Luís de Camões, Antero de Quental, entre outras.
A sua 4ª Sinfonia, como outras obras do compositor, contém várias referências a temas da música popular assim como grandes influências do meio em que este se insere. Composta por quatro andamentos, esta obra dedicada à Juventude Musical Portuguesa termina com o “Hino à Juventude” que simboliza a união dos jovens de todo o mundo através da música.

Diogo Gomes

Algo mais do que Música!

2008-10-28T16:33:00.000Z

Pessoal!
Ficámos muito tempo à volta do que é a música. E, não sabendo ao certo o que é a música, deixa-nos a cada um de nós a possibilidade de a interpretar à nossa maneira e de tentar explicá-la como a vemos. Temos, por exemplo, a peça "4' 33" de John Cage, onde este explica o seu ponto de vista de MÚSICA...

Bom, estes dois músicos, "Igudesman" e "Joo", vêem a música de um ponto de vista mais cómico.
(Algo que, a meu ver, apenas quem já tem um domínio perfeito do instrumento pode arriscar
-se a tal)
Mas, é simplesmente algo a não perder e pesquisar muito mais.
O site oficial destes artistas é: www.igudesmanandjoo.com

Aproveitem!!!!!

Mozart e matemáticas

2008-10-02T16:54:00.000+01:00

Dia Mundial da Música

Mozart: matemática para os ouvidos

01.10.2008 - 19h53 Susana Almeida Ribeiro

Aos cinco anos Mozart compôs a sua primeira peça musical. Apesar da tenra idade, o mestre fez uso daquela que é a mais simples forma de simetria: a repetição. Com o avançar da idade, Wolfgang Amadeus Mozart foi usando estes artifícios de forma cada vez mais elaborada, pondo em evidência a estreita relação entre as suas composições e as regras matemáticas.

Na jornada em que se celebra o Dia da Música, o Museu da Ciência, em Coimbra, deu a conhecer as várias simetrias musicais utilizadas por Mozart nas suas composições.

Carlota Simões, professora de matemática da Faculdade de Ciências da Universidade de Coimbra com o curso de piano do Conservatório de Coimbra, explicou ao PÚBLICO que “ao passo que num vitral é fácil, quando se olha para ele, identificar as simetrias; numa música isso é mais difícil porque se trata de uma simetria no tempo, e temos que ter a memória do que ouvimos e identificar a mesma melodia tocada do fim para o princípio, ou de baixo para cima... No entanto, nas pautas, essas simetrias conseguem encontrar-se, e é isso que vemos aqui”.

Com as pautas à vista de todos, os exercícios em torno da obra de Mozart – que revelam variações simples, como uma sequência e a sua retrógrada, até estruturas mais complicadas, como a retrógrada da inversão da sequência – foram demonstrados por duas jovens violinistas: Sara Petronilho e Marina Ferreira.

“Se eu tiver um vitral que é simétrico em relação a um espelho que o corte na vertical, isso é uma reflexão. Em música, isso chama-se a melodia e a retrógrada. Se, por outro lado, eu tiver um vitral com um espelho a meio, que o corte na horizontal, isso em música chama-se uma inversão. Intervalos que iam a subir passam a descer, e vice-versa”, explica Carlota Simões.

“E depois, se eu fizer em música aquilo que em matemática se chama uma translação - deslocar uma figura para outra posição sem a destruir -, isso chama-se uma transposição. Enquanto que estas simetrias visuais são muito fáceis de reconhecer, em música é preciso estar a olhar para a pauta e, com a ajuda das duas violinistas, foi possível reconhecer as simetrias”, acrescenta.

Carlota Simões realça ainda a apresentação do “Dueto Espelho”, que é uma pauta que, à primeira vista parece ser só para um instrumento mas que, se a segunda violinista olhar para ela de baixo para cima e da esquerda para a direita, ela transforma-se noutra pauta; e se tocarem em simultâneo a melodia também funciona. “Isto é o mais espectacular, porque é uma pauta que pode ser lida de cima para baixo e de baixo para cima, em simultâneo, e soa bem. Isto é que é genial da parte de Mozart”, diz.

Como um dos exemplos acabados da interligação entre a obra do compositor e os números, a iniciativa “Mozart e a Matemática” revelou ainda algumas particularidades entre a sua ópera “A Flauta Mágica” (1791) e os números queridos à Maçonaria. Conhecido maçon, Wolfgang Amadeus Mozart fez uso dos chamados números mágicos para dar vida à sua composição. O número 3, por exemplo, considerado o número da perfeição, sinónimo de masculino e representando também os três lados do triângulo maçónico, é usado através dos três bemóis na clave inicial e final (Mi b Maior). Também o número 12, que se identifica com o meio-dia, a altura em que o sol ilumina a Terra e produz menos sombras, é também usado na pauta musical quando se reproduzem as 12 badaladas no último adeus de Pamina, antes da prova de Tamino.

“A Flauta Mágica, porque é uma ópera maçónica, tem muitos números simbólicos e eles aparecem discretamente. Há coisas que só se conseguem ver na pauta se estivermos a olhar com muita atenção... E, portanto, a Flauta Mágica tem esses pequenos pormenores que têm a ver com o facto de ser uma ópera cheia de símbolos”, esclarece Carlota Simões.

Durante a sua vida, Mozart escreveu cerca de 600 obras musicais. Outro dado matemático curioso: seriam precisos 54 anos e sete meses para copiar à mão toda a obra do compositor.

a mesa do músico

2008-10-01T14:52:00.002+01:00

— H. H. Roland de la Porte, La table du musicien (c. 1770)

Dia Mundial da Música

2008-10-01T14:49:00.000+01:00

Hoje é o Dia Mundial da Música!